Arco 2010: Renovarse o Morir

Muchas personas me preguntaron este año cómo es que no iba a asistir a Arco. Un evento que siempre me ha resultado revitalizante y del que siempre salgo con ideas para mi trabajo.

Y la respuesta era difusa, "bueno, es que este año tengo mucho lío (lo cual es totalmente cierto, dados los importantes cambios vitales que en poco tiempo comentaré por estos lares), o es que siempre es lo mismo..." Un montón de pequeñas excusas, que todas unidas, dan como resultado el ni plantearse ir a la feria. En este artículo de El País, magnífico como es habitual, relatan a la perfección la sensación que a mí me ha dejado la feria en sus dos últimas ediciones. Una mezcla sin ideas claras, un revoltijo de todo y a la vez de nada, con un arte unilateral que en algunos casos resulta genial y en otros es verdadera caca, que está abrumadoramente masificado por un público que va a regodearse de lo listo que es por despreciar el arte, y razones no les falta a tenor de algunas de las piezas expuestas. Y todo ello en un pabellón en las afueras que cobra un dineral por entrar...

No podría estar más de acuerdo con el artículo, así que os dejo que lo leáis, ya me contaréis qué os parece, ¡un abrazo a todos y a todas!

The Third & The Seventh

The Third & The Seventh, de Alex Roman.
Se trata de un corto CGI de arquitectura (que por cierto, recomiendo ver en HD). Ayer lo vi y me pareció realmente preciosista, y sin querer ha caído en mis manos un artículo de una revista que habla sobre ello. Jordi Seva, alias Alex Roman trabajaba en un estudio de arquitectura donde sentía una fuerte frustración, hasta que un día le dio por empezar un proyecto de fusión entre fotografía, cine y arquitectura. Al principio nació como un proyecto para su portfolio, pero el proyecto evolucionó y se convirtió en un ejercicio de 3D realmente impresionante, con un acabado visual espectacular. Me pareció una verdadera maravilla, que no solo es muy interesante desde un punto de vista tecnológico (es más, en algunos aspectos es tan apabullante, que compañías como Pixar le han ofrecido trabajo) sino que es un ejemplo maravilloso de cómo a veces nuestros sueños nos llevan mucho más allá que los proyectos que hacemos para otros. Alex Román no ha hecho más que recibir felicitaciones, y desde aquí me sumo a ellas, enfatizando además el valor artístico y la visión tan interesante que tiene de la arquitectura, hacía tiempo que no veía nada tan interesante y apasionante en este campo.

Primeros pasitos con Blender

Esta imagen ha sido creada con el programa de software libre "Blender". Se trata de una herramienta de dibujo 3D increíblemente potente, y que hasta ahora no había tenido tiempo para probar. Y debo decir que en general me está encantando. Resulta sorprendentemente buena para modelar, con técnicas tan interesantes como el "sculpt mode", similar a Zbrush, que permite modelar como si de barro se tratase. Aun estoy un poco perdido entre tantas opciones (me llevó varias horas conseguir que el cristal de la puerta dejase pasar la luz, por poner un ejemplo :D) pero estoy entusiasmado con las posibilidades que tiene tanto en alta como en baja poligonización.

Como curiosidad, os adelanto que la imagen representa la salita de mi nueva casa. Habréis notado que últimamente no posteo mucho. Esto se debe a que voy a realizar una serie de cambios importantes en mi vida, y estoy tan liado que no me da tiempo a nada. Cuando esté todo resuelto y todo sea oficial, os lo contaré con pelos y señales, pero de momento os pido que tengáis paciencia conmigo, porque no me da la vida para más. Un abrazo a todos!

Comparativa de carteles de cine

Smashing Magazine nos trae una bonita comparativa de carteles de cine antiguos con sus remakes modernos. Me ha gustado su objetividad, en la que no se dejan llevar, como suele ser habitual, por el fetichismo de lo antiguo. Saben ver las bondades tanto de los carteles clásicos como de sus homónimos modernos, y además no tienen en cuenta en absoluto la película. Os recomiendo la lectura, aunque eso sí, es en inglés. ¡Un abrazo!

Workshop de Iluminación de Estudio y fotografía de Moda

Bueno, por fin tengo un rato para ponerme a escribir un poco.

El acontecimiento más interesante de cara a reflejarlo en el blog, es mi asistencia al workshop de iluminación de estudio y fotografía de modelos, al que tuve la ocasión de asistir la semana pasada.

Impartido por el fotógrafo de moda Pere Larrégula (en la foto de la izquierda, con una carta de gris neutro), un barcelonés de acento muy divertido, el curso estaba organizado por canonistas.com, que es una página web de aficionados a las cámaras de Canon, entre los que me encuentro. Surgió la oportunidad, y mira, fuí de cabeza para allá.

Los contenidos teóricos que trabajamos fueron el trabajo con modelos, los parámetros más importantes en una cámara réflex en lo que tiene que ver con fotografía de modelos, y la forma en la que debe ser trabajada la iluminación en un estudio de fotografía.

En esta fotografía, Lena está iluminada

con un esquema clásico de fotografía de moda,

un foco frontal con softbox, y dos focos, uno de

tres cuartos y otro lateral.

El primer día dimos la clase teórica, en un sitio que se llama “Aula Center”, que está en la zona de Rubén Darío. En la clase estuvimos viendo algunos conceptos teóricos. Me sorprendió la complejidad de los mismos, que en muchos momentos parecían más una clase de matemáticas que otra cosa. Aprendimos cómo medir la cantidad de luz, enfatizando especialmente en la “Ley inversa del cuadrado de las distancias”, cuya función aplicada a la fotografía consiste en saber calcular cual es la caida de la luz, dada una fuente. También estuvimos estudiando la configuración de la cámara más adecuada en estudio. Normalmente se tira a 1/200, dado que la luz de los flashes es suficiente para congelar la imagen, con lo que no es necesario disparar más deprisa. El número f más adecuado, dependiendo del objetivo, que suele rondar el f9, dado que menos número f implica viñeteo y una profunidad de campo demasiado pequeña, y un número f demasiado alto, hace que la luz rebote dentro del objetivo y cree aberraciones lumínicas. Hablando de la profundidad de campo, estudiamos cómo calcular exactamente la cantidad de motivo enfocado dependiendo de la profundidad de campo, del tipo de cámara, etc. El enfoque preciso es prácticamente lo más importante de cara a que una fotografía sea utilizable, una fotografía con un “foco blando” es directamente inutilizable. El enfoque siempre se hace en los ojos de la modelo, salvo casos especiales, en los que hay que buscar puntos de enfoque neutros.

En esta fotografía, Sara está iluminada con un esquema

de luz "tipo Rembrandt", esto es, un foco a tres cuartos

frontal por su izquierda, y otro a tres cuartos trasero

por su derecha, con una relación de 1:4 de potencia.

Podría seguir escribiendo dos horas, o tres, pero vamos, yo creo que más o menos ya véis por donde van los tiros. El resto de la clase teórica la dedicamos a ver diferentes esquemas de iluminación y a ver diferentes tipos de bombillas. Y terminamos estudiando cómo hablar con una modelo, como trabajar para ganarte su confianza, y cómo formular un contrato que nos autorice a utilizar las imágenes obtenidas. Realmente muy completo, y claro, salimos todos asustados, porque al día siguiente nos íbamos a morir de la comlejidad.

Al día siguiente fuímos todos para el barrio de La Latina, al ladito de Puerta de Toledo, y en la parte de atrás de Fotocasión, una de las mejores tiendas de fotografía de Madrid. Al poco rato entramos en el estudio, era un poco feucho, pero muy amplio. Habían montado un pequeño set, con un plástico mate blanco que caía desde el techo y llegaba al suelo, no doblado en ángulo recto, sino con una curvatura que haría que el horizonte desapareciera una vez hiciéramos la foto.

Existen dos tipos de iluminación (básicamente) en fotografía, la que da luz de forma constante, y la que da luz de golpe. En cine se suele utilizar la primera, pero en fotografía normalmente se utiliza la segunda, que es capaz de dar una cantidad brutal de luz (de miles de vatios) durante un periodo de tiempo muy corto. Nosotros trabajamos con luces de tipo flash, que sincronizaban a 1/200 de segundo con el obturador de la cámara. Es muy difícil trabajar con luz que no ves, y para poder hacerte una idea de cómo va a ser más o menos la iluminación, se utiliza una luz que se llama de modelado, que no es más que un foco de tungsteno que te orienta de cómo va a ser más o menos la luz.

Aparecen entonces dos problemas. El primero es medir la cantidad de luz que da cada uno de los focos, así como calcular la pérdida de luz (por ejemplo entre el objeto y el fondo) y calcular también las zonas en las que luz se solapa (en estas zonas hay más luz). No solo esto, sino que además hay que calcular una temperatura del color adecuada, dado que la luz de tungsteno es diferente a la luz de los flashes.

Se siguen entonces los siguientes pasos. Lo primero que se hace es elegir el esquema que vas a utilizar. Nosotros, por ejemplo, empezamos probando un esquema de luz muy sencillo, que consistía en un foco orientado en tres cuartos, y un foco esclavo lateral, con un ratio de luz 1:4.

Una vez elegido el esquema, con el fotómetro (que en la clase teórica aprendimos a utilizar y que es una herramienta indispensable en este tipo de fotografía) hacíamos una medición de la luz, y pasábamos los parámetros a la cámara. Evidentemente, movíamos los flashes adelante y atrás hasta encontrar el resultado deseado, en el que la modelo y el fondo estaban razonablemente bien iluminados. Una vez hecho esto, hacíamos una foto a un compañero que sostenía una carta de gris neutro (es decir, un gris del 18%) que sirve para calibrar la luz con una precisión alta. Normalmente los flashes dan una luz de 5.300 kelvin poco más o menos. Una vez preparado todo, y con la cámara bien cogida (tiene tela el asunto, además, en este tipo de foto hay tanta luz que no hace falta el trípode para nada, con lo que te puedes mover como quieras para encontrar los mejores ángulos) entraba en escena la modelo. Esta parte es muy divertida, porque tú le tienes que decir lo que quieres que haga, y entra en juego la parte psicológica, ella tiene que estar a gusto y tranquila, sino jamás será capaz de conseguir lo que tú como fotógrafo buscas.

Carina posa con un esquema de iluminación que se compone

de un foco "Beauty" (con una gran campana blanca que dispersa

la luz eliminando imperfecciones), un foco de efectos que le realza

el pelo destacándolo sobre el fondo, y un tercer foco que ilumina el fondo.

A partir de este momento, lo que hicimos fue hacer muchas fotos, y probar diferentes esquemas e iluminación, con luces duras, luces blandas, iluminaciones más frontales, e incluso luces de efecto (se trata de una luz trasera con la que realzas los brillos del pelo, de la ropa, o lo que tú quieras).

Al día siguiente cambiamos de estudio, fuimos a uno que estaba muy cerquita, y que tenía dos zonas de trabajo, una con un fondo negro y un esquema de iluminación similar al del día anterior, y otra zona con un exterior en la que entraba luz de día. En este último esquema de iluminación nos pasamos trabajando casi toda la mañana, con una softbox de dos metros de alto, colocada a 7 metros de la modelo, los resultados resultaron espectaculares.

En resumen, el curso fué complejo y de un nivel técnico que para mí fué bastante elevado. Conocimos herramientas que normalmente solo suelen utilizar los profesionales, y tuvimos ocasión de probar algunos equipos impresionantes (yo pude probar la “21”, es decir, la Canon EOS 1ds Mark III del profe, con un objetivo 70-200 2.8 estabilizado). Aunque este tipo de fotografía yo la estudié en la universidad, lo hice solo por encima, y nunca había tenido ocasión de profundizar un poco en el tema, así que me quedé realmente encantado con los conocimientos adquiridos. Y como es habitual en este tipo de cursos, también me quedé encantado con toda la gente con la que pude trabajar, todos los compañeros del curso eran unos máquinas, y eran todos majísimos, con lo que además de compartir una pasión que todos teníamos, pudimos hacer contactos y conocer gente que me pareció realmente genial.

Yo creo que Lena acabó un poco harta de tener a 15

personas sacándole fotos como posesas...

Y eso fue todo,. Ahora ya me he apuntado al curso de fotografía de desnudos, y estoy deseando que llegue el día 12 de Diciembre para irme con mi chiquitina (qué triste, mi cámara era la más poca cosa de todas... al menos luego las fotos daban el pego, pero las EOS 5d mark II que había por allí me mataron del todo...) y aprender como iluminar una moza como es debido.

Aquí tenéis la suma de 15 apasionados de la fotografía, un crack

mediático (el profe) y cuatro pedazo de bellezones (las modelos y la maquilladora)

¡Espero que os haya parecido interesante, un abrazo a todos!

Fotografiando

En faustoArt la fotografía ha ido tomando un papel cada vez más relevante. Mi primera cámara de fotos la tuve siendo un niño, pero la primera vez que la fotografía realmente me llamó la atención fue hace unos 8 o 9 años, cuando estando en segundo año de carrera, me compré mi primera cámara digital. Soy un fanático de lo digital, tener que pagar toneladas de dinero que no tenía en revelar fotos, hacía que la fotografía fuera un imposible para mí. Sin embargo la fotografía digital hizo que por fin pudiera utilizar la herramienta de manera indiscriminada, y ahí fué donde nació mi pasión por la fotografía, que es sin duda una de mis mayores aficiones.

Paralelamente a la adquisición de mi cámara de fotos, mis estudios de Bellas Artes avanzaban a buen ritmo, y si bien a partir de ese año me enfoqué decididamente por el diseño gráfico, el arte y las imágenes siguieron siendo motivo de investigación y estudio por mi parte. Así, aprendíamos a pintar, a ilustrar, a hacer fotografía, a trabajar con escultura y con elementos tridimensionales... Es decir, por un lado aprendíamos a crear imágenes, y por otro a traducir esas imágenes al lenguaje de la comunicación visual, pues eso es el diseño gráfico, comunicación visual.

Con el tiempo me compré mi segunda cámara, y aunque era una compacta, era bastante más seria que la primera, y me permitía un control mucho más manual sobre las fotografías. Tuvo que ser con mi primer trabajo cuando por fin me pude comprar mi primera reflex, digital, por supuesto, hará unos tres años, y apenas un par de meses desde que me he comprado la que tengo actualmente.

Se pueden ver dos conclusiones claras, por un lado, que con mi carrera aprendí a crear imágenes y a utilizar lo visual como un lenguaje. Por otro lado, que la fotografía es una afición que desarrollo desde hace ya unos cuantos años. La conjunción de ambos factores, hacen que a estas alturas ya haya desarrollado unos gustos e intereses muy concretos dentro del mundo de la fotografía.

Ya he publicado más de un post sobre tecnología y sobre técnica fotográfica, y no es esa la intención de este post, sino poner un poco en claro qué me interesa a mí en el mundo de la fotografía, y por qué.

La técnica es imprescindible cuando se trata de fotografías
de trabajo, como la foto documental o la publicidad.

Pues existen muchos perfiles dentro de los fotógrafos. Hay muchas personas que utilizan la cámara por el placer que les produce manejar una cámara. Es muy fácil caer en el onanismo fotográfico, y buscar la fotografía perfecta. Y es que existe un estilo fotográfico que podríamos calificar de metafotografía, pues su interés se queda simplemente en conseguir una exposición, nitidez, granulado y cromatismo perfectos, amén de una composición perfecta, etc. Pero luego aparecen como fotografías vacías, sin vida. Es muy placentero realizar fotografías de este perfil, y abundan en internet. A mí ciertamente me gusta de vez en cuando realizar tomas de este tipo, pues sirven para mejorar la técnica. A partir de este perfil surgen estupendos fondos de pantalla, por cierto. Por otra parte, un perfil tan técnico es perfecto para desarrollar la fotografía como profesión, pues una perfección técnica implica una dificultad que no todos los fotógrafos alcanzan.

Un perfil fotográfico habitual es el de la fotografía técnica.
Suelen resultar en fotografías ligeramente vacías, aunque bonitas.

Otro perfil posible es el perfil temático. Es decir, muchos fotógrafos se sienten atraídos por capturar escenas relacionados con un tema concreto. En este perfil entran, por poner un ejemplo, los fotoperiodistas y los padres, así como los bachilleres obsesionados con la macrofotografía. Desde luego es un paso de avance con respecto al primer perfil, dado que la técnica y sus gustos personales van evolucionando por mera acumulación, hasta conseguir resultados brillantes.

Elegir un tema, o desarrollar un interés particular, ayuda
a conseguir a desarrollar no solo la técnica, sino también
a trabajar la fotografía como lenguaje.

Otra función de la cámara de fotos es, sencillamente, capturar momentos. Este es un uso habitual cuando pensamos en fotografías de viaje, por ejemplo, y vamos haciendo fotos a todo lo que ocurre a nuestro alrededor.

Podemos seguir así, planteando perfiles, y viendo evoluciones, porque al final son los matices los que marcan la diferencia entre unos fotógrafos y otros. Y dentro de cada perfil, hay mejores fotografías, y peores. Y viendo toda esta información, cuando llegas a cierto nivel de evolución dentro de una afición, debes plantearte cual es tú perfil y por qué.

Mi perfil dentro de la fotografía es peculiar y no está del todo definido. Es peculiar porque mi interés principal consiste en generar imágenes. Me interesa la técnica y la tecnología, en cuanto entiendo que existen limitaciones en la actualidad, y estoy interesado siempre en ver cómo evoluciona, y ver cómo van apareciendo soluciones a esos problemas (como puede ser la sensibilidad ISO o el ruido, por ejemplo). Me interesa la técnica porque en mi trabajo de vez en cuando tengo que utilizar la fotografía como herramienta, y debo saber diferenciar entre una “buena fotografía” y una “mala fotografía” desde un punto de vista publicitario (con mis limitaciones, por supuesto). También me interesa mucho la función documental de la fotografía, y por eso la utilizo mucho en mis viajes (viajo todo lo que puedo y un poquito más), sobre todo en lo que tiene que ver con arte y arquitectura, pero también con personas, naturaleza, y en general, un poquito de todo.

Esta fotografía fué tomada buscando una composición en la que
el color, las líneas y los contrastes forman una armonía de detalles,
quedando la figuración en un segundo plano gracias a la descontextualización
del motivo, que en este caso es un rascacielos en obras en la City, en Londres

Y por fin tengo un rinconcito, muy personal, en el que suelo trabajar siempre que tengo la oportunidad. Y no, no son las mujeres desnudas. Se trata de un tema un poco dificil de definir, y poco atractivo para la mayoría, o al menos eso supongo. Se trata de composiciones, normalmente abstractas, en las que los pesos visuales, las formas, las líneas, crean esas contradicciones formales que resultan tan interesantes. La abstracción fotográfica a partir de la búsqueda intencionada del “no motivo” y la descontextualización de la forma. Un juego que va desde buscar composiciones homogéneas, al estilo del expresionismo abstracto, a buscar la contradicción en la geometría, o el contraste cromático, o simplemente un choque de texturas. Meditando sobre esto, veo que llevo años trabajando sin darle un sentido concreto a esta idea. Y he trabajado en series de fotografías, como la serie de puertas, en las que de forma intuitiva buscaba este tipo de situaciones.

Ya en mi época de estudiante la fotografía abstracta
llamaba poderosamente mi atención

Se que no es una temática original, pues hay muchos artistas que trabajan sobre ella, pero es una forma muy personal de ver el mundo, y la fotografía es una forma perfecta de reflejarla, creo que todos los diseñadores, y personas que trabajan con imágenes en general, vemos pautas, patrones, situaciones, que nos resultan sugerentes de una forma u otra, y yo he encontrado en la fotografía uan forma de materializar esas ideas y convertirlas en algo sólido, e incluso en algunos casos, utilizable. Una concecpción más abstracta del mundo que nos rodea que, además, nos invita a una mirada más sutil, que a veces nos ayuda a descubrir situaciones o formas que otros no ven.

De vez en cuando está bien reflexionar sobre lo que hacemos y por qué lo hacemos, igual que alguien que está aprendiendo a tocar la guitarra en un momento decide que le gusta más Albéniz que ACDC, o alguien que hace construcciones decide que le gustan más las catedrales que los castillos.

En los próximos días empezaré a subir las fotografías que he hecho este verano cuando he estado en Londres, y veréis como aparecen fotografías de todos los perfiles, si tengo tiempo tal vez elija alguna de las fotografías que más me han gustado desde este punto de vista más personal, e intentaré explicar, como ejercicio, el por qué me han gustado más.

Pero bueno, de momento voy a acabar de prepararlas, espero que esta reflexión os haya resultado interesante, un abrazo, ciao!

Canon EOS 500d: El vídeo

Estoy aprovechando las vacaciones no solo para relajar la cabeza, que lo necesitaba urgentemente, sino también para actualizar conocimientos, y probar algunas nuevas tecnologías que no había tenido tiempo material para probar en profundidad.

Una de ellas, es el modo de vídeo de mi cámara, la EOS 500d.

Ayer por fin tuve tiempo para coger la cámara y salir exclusivamente a probar el modo de vídeo. Como no tenía muy claro qué grabar, decidí hacer un pequeño video con diferentes tomas, y con la excusa de subirlo al blog, montarlo y ponerlo bonito.

Pinchando en la imagen de arriba podéis ver el vídeo, también lo podéis hacer pulsando aquí. No olvidéis pulsar el botón HD para verlo en alta definición, pero ojo si no tenéis un ordenador muy potente porque os irá a saltos.

El equipo que llevé fue el siguiente. Obviamente, el cuerpo era la Canon EOS 500d, con una batería oficial cargada hasta el tope. No utilizo Grip. La tarjeta de memoria es una Kingston de 8gigas UltraII. El objetivo era el Tamron 18-270 con antivibración. Además de esto, llevé mi trípode SLIK, un trípode pequeño pero muy manejable.

El paseo lo dí por Gijón, y elegí la zona del muelle. El día estaba un poco grisáceo, que es lo habitual por aquí, así que no me compliqué la vida y me puse a trabajar.

El vídeo y la fotografía tienen algunos aspectos en común y otros que no tienen nada que ver. Para empezar es indispensable tener bien configurada la cámara, puesto que el vídeo no se puede capturar en formato RAW. Por esa razón, elegir bien el equilibrio de color, o utilizar un modo personalizado con el contraste o la saturación perfectamente definidos, ayudan mucho con el resultado final. Yo utilicé un modo de grabación personalizado que enfatiza la saturación y el contraste, y cuando pude ver los resultados en casa, me arrepentí un poco de dicha configuración. Utilicé igualmente el modo de luz “nublado”, que da a la imagen un tono ligeramente cálido, de lo que posteriormente también me arrepentí. Especialmente crítico es el valor de la nitidez, en la cual recomiendo que se ponga en baja o muy baja, puesto que en video crea un efecto un poco extraño. El resultado se puede compensar bastante al editar, pero esto es como con la fotografía, mejorar sí, pero no hacer milagros.

El vídeo es diferente a la fotografía, exige pensar

de una forma diferente, y tener en cuenta

sus particularidades técnicas y conceptuales

El siguiente punto a tener en cuenta es el del trípode. Es prácticamente indispensable tener un trípode. Si en fotografía da un poco igual, porque a una mala se sube el iso, o se pone uno más estático, en video es imprescindible. Es la diferencia entre un video casero cutre o un video que se pueda ver. No creo que sea indispensable llevar un trípode tamaño camión, puesto que en video la trepidación se compensa mucho (poco importa que de los 30 fotogramas que tiene un segundo, uno esté un poco desenfocado) pero sí queda realmente mal grabar video y que esté todo moviéndose, da una sensación de mareo. Por eso un trípode ligero de cabeza pivotante ayuda muchísimo, incluso para hacer barridos, por lo menos que haya un punto de apoyo contínuo.

Otro tema interesante es el del objetivo. En el modo de vídeo, al menos de momento, no se puede controlar el número f. Aunque se pueden hacer truquillos, a efectos prácticos significa que la cámara siempre intentará utilizar el número f más bajo posible, por ejemplo 3.5, o 5.6. Esto puede ser un problema para ciertas circunstancias, pero a mí me parece un poco anecdótico. Sí podemos utilizar la compensación de luz, para que todo salga más claro o más oscuro. También podemos jugar con el ISO. Este es un punto curioso. Siempre va a estar en modo automático, hasta que comencemos a grabar, en ese momento se va a quedar con el valor con el que haya empezado. Esto juega a nuestro favor, pues en un momento dado podemos hacer un bloqueo del ISO, enfocando por ejemplo a una zona clara, para que se quede con un ISO 100, y apretando el botón de bloqueo AE. Con valores ISO muy altos (el máximo en video es 1600) puede aparecer bastante ruido cromático que puede resultar molesto, además de perder muchísima nitidez.

Teniendo en cuenta todo esto, debemos elegir bien el objetivo. Yo he probado con excelentes resultados, con un objetivo Canon 2.5 macro. Pero en este caso preferí llevarme el Tamron a ver qué tal. Lo primero que hay que tener en cuenta es ponerle la visera al objetivo, y quitar el modo de enfoque automático y el antivibrador. Esto último es importante, porque si no lo hacemos, a mitad de la grabación, se parará el motor, y se desenfocará de repente. El enfoque automático en el modo de video, a diferencia de cuando usas la cámara en modo reflex, es lento, lentísimo, lo que lo hace poco menos que inutil. Muchísimo mejor el enfoque manual, sin duda. Una vez tenido esto en cuenta, se trata de un objetivo suave y muy versátil. En modo vídeo el resultado es muy bueno, pues su nitidez sobra para este tema, y es lo bastante luminoso como para ofrecer unos resultados notables. El único pero que se le puede poner es que en su focal más larga es muy fácil que se mueva con la más mínima brisa, conmo se puede ver en mi vídeo, pero es algo bastante anecdótico por otra parte. A cambio, en su focal más larga, ofrece un desenfoque delicioso del fondo, perfecto para grabar desde lejos sin que a nadie le moleste.

Con respecto al vídeo que se obtiene, decir que la cámara graba tanto a 720p como a 1080p. También graba a 640x480 a 30 fotogramas, por cierto.

Uno de los aspectos que más dudas levanta esta cámara es el modo 1080p, que graba a 20 fotogramas, y no a 30. Mucha gente se pregunta si esta diferencia es importante. Bueno, he probado a grabar secuencias tanto a 720p como a 1080p, y debo decir que existe diferencia. Es cierto que el modo 720p es más fluido. Sin embargo, y esto me parece muy importante, una vez que editas el vídeo, los fotogramas se interpolan, de forma que esa sensación prácticamente desaparece. Para hacernos una idea, el cine tiene una frecuencia de 24 fotogramas por segundo, e interpolar 4 fotogramas no supone mayor problema. Se compensa el movimiento y se desaparece completamente la sensación de poca fluidez. Dicho de otra forma, si queremos grabar secuencias con mucha acción, o mucho movimiento, entonces es recomendable grabar en 720p. Sin embargo, para escenas más tranquilas, podemos utilizar el modo de 1080p, con lo que conseguiremos muchísima más información y nitidez. Como demostración de lo que digo, diré que en el video que podéis ver, hay varias secuencias en 1080p, intercaladas con las secuencias en 720p, y no se nota la diferencia en absoluto.

El modo de vídeo 1080p solo graba a una cadencia

de 20 fotogramas por segundo. Sin embargo, una vez editado

se interpolan los fotogramas y la sensación de fluidez se iguala

con el modo 720p, con una nitidez mucho mayor.

Aclarado esto, diré que si buscamos vídeos con una nitidez similar a la que se puede ver, por ejemplo en la F1, o en los típicos videos de demostración de los LCDs en los centros comerciales, que se olvide. Normalmente esos videos se graban a 60 o incluso 120 fotogramas por segundo, con ópticas específicas de vídeo, etc.

El resultado que se obtiene con la EOS 500d es bueno, y utilizable. Bajo mi punto de vista es muy cinéfilo, sobre todo por el tipo de ópticas que se pueden utilizar, lo veo ideal para grabar video 720p a 25-30 fotogramas, o a 1080p a 25 fotogramas (repito, una vez editado el video). La veo suficiente como para hacer cortos, videos para internet, videos familiares... Un paso por encima de las típicas video cámaras, vamos.

Un tema por cierto del que no he hablado es el audio. Es suficiente para los típicos videos caseros cutres, pero está a años luz de un video serio. Si queremos audio de calidad, habrá que utilizar una solución totalmente externa, como un grabador con micrófono, o lo que sea. No es que sea un drama, pero es un trasto más y da mucha vagancia llevarlo.

Vale, ya tenemos el video grabado, ahora lo pasamos al ordenador y... y ahora qué?

Bien, lo primero a tener en cuenta es que para ver y para trabajar con video en alta definición hace falta un ordenador realmente potente. Personalmente tengo un AMD de doble núcleo (un 3800+) y de entrada no puede reproducir video a 1080p, y con el de 720p se atraganta. Para este artículo he trabajado con un Intel Core2duo, que podía perfectamente con estos archivos. Vamos, que si no tienes un ordenador potente, o no tienes intención de cambiar de equipo, mejor ni te molestes.

En caso de que tu equipo pueda con ello, veremos qué ocurre.

La cámara graba en formato .MOV (quicktime). Este tipo de videos se pueden o bien subir directamente a Youtube/vimeo, etc, o bien editar con un programa de edición.

Yo he probado a editar los videos de la cámara con dos programas diferentes, el Premiere CS4, que ya conocía anteriormente, y el SonyVegas. El vídeo que estáis viendo ha sido editado con este último. La calidad es buena y es razonablemente sencillo de utilizar. Entre utilizar unos u otros... bueno, depende de cada uno, para gustos colores. Bajo mi punto de vista, el Premiere es un programa más serio y profesional, pero a mí el Sony Vegas me encanta, además de que es baratísimo para lo potente que resulta.

Una vez montado y editado, exportamos el video, en formato M2T, que es el que utiliza por ejemplo el BluRay. Sale un archivo de 700 megas, un poco indigestos para Youtube. Una pasadita por el DivX Encoder (que también es baratísimo, unos 8 euros) y ya lo tenemos preparado, en este caso pesa unos 150 megas, perfectos para Youtube. La verdad es que el tema de cómo exportar los videos es un verdadero dolor de cabeza, pero bueno. Cuando se sube el video a Youtube, el proceso puede tardar varias hoars. Y además, una vez subido, el video aparece solo con resolución estandar. Un rato después, ya aparece en HD.

Yo creo que con esto queda todo más o menos dicho, con esto ya se puede saber qué se puede esperar de la cámara poco más o menos. Sí es cierto que se puede llevar aun más al límite (por ejemplo utilizando ópticas que te permitan manipular la apertura del diafragma manualmente) pero yo creo que, en video, a diferencia de en foto, primero hay que saber bien qué se quiere grabar y qué no. Si vamos a utilizar la cámara como una especie de cámara de fotos potenciada y hacer algo así como “fotografías en movimiento”, entonces lo dicho se puede aplicar a la perfección.

Espero que os sirva de ayuda, la verdad es que me ha llevado bastante curro todo esto, pero si le sirve de ayuda a alguien entonces habrá merecido la pena. Estos días subiré otros clips de vídeo, así que estad atentos. ¡Un abrazo a todos!

Actualizando mi equipo fotográfico

Por fin he terminado de actualizar mi equipo de fotografía.

La fotografía es uno de esos mundos híbridos en los que la tecnología para profesionales y la tecnología para aficionados se ven separados solo por una línea difusa (como ocurre por ejemplo entre los deportistas de fin de semana y los deportistas de élite, o entre informáticos “de verdad” y jugadores acérrimos de pc, por poner dos ejemplos), y es terriblemente fácil caer en la tentación de adquirir equipo al que no le podemos sacar partido. No es ya que no queramos, o que no seamos lo suficientemente bueno s fotógrafos, sino que simplemente son equipo profesional, y si no somos profesionales, nunca llegaremos a poner el material al límite, ni de lejos, con lo que pagar las enormes sumas que componen la diferencia, es simplemente un desperdicio de dinero.

Así que elegir el material en fotografía se convierte en un genuino dilema, que implica muchísimos cálculos y cábalas, para tomar las decisiones más atinadas que nos sea posible.

Me parecía interesante para un post exponer los argumentos que he tenido en cuenta a la hora de elegir mi equipo, así como las diferentes opciones que he ido descartando.

Lo primero que se debe hacer es pensar cual es nuestro perfil como fotógrafos a la hora de elegir nuestro equipo, y para eso debemos pensar qué uso concreto le vamos a dar a las fotografías que hagamos.

En esta fotografía tomada en el centro de Madrid,
se ve cómo a una distancia focal larga, se consigue un suave
desenfoque del fondo y un gran detalle en el primer plano.

Mi perfil se compone de dos áreas diferenciadas. Por una parte, está el área profesional, en la que desarrollo mi trabajo de diseñador gráfico “todoterreno” en el que de vez en cuando tenemos que realizar alguna fotografía para algún original de prensa, normalmente en estudio y alguna vez en exterior, siempre trabajos sencillos que, no obstante, requieren de unos mínimos niveles de calidad para salir publicados tanto en on-line como impresos.

Por otro lado, mi perfil personal, en el que me gusta mucho la fotografía como afición. Las fotos que más me gustan suelen ser en viajes, pero también en ciudad. No me interesa demasiado la fotografía de estudio, sino un equipo polivalente que sea capaz de capturar cualquier imagen que se me ocurra captar.

Esta es una fotografía tomada en estudio, con el objetivo 50 macro
de Canon, e iluminación con flash. El nivel de detalle es altísimo.

Además de eso, debo tener en cuenta que este es mi tercer año con una cámara buena pegada, y ni se cuantos años llevo ya pegado a una cámara de fotos en general. El equipo que adquiera, debe como mínimo superar el equipo que ya tengo, si no el cambio lógicamente no me merece la pena.

Encontré ciertas carencias en mi equipo básico, pero para entenderlas, lo mejor es primero explicar qué equipo tenía:

· Cuerpo eso 400d de Canon, una cámara de principiante, pero capaz de obtener buenos resultados. Por lo demás, bastante básica en todo.
· objetivo estandar Canon 17-85 con estabilizador de inagen y enfoque ultrasónico, muy rápido, pero con una calidad de imagen que me dejó un poco indiferente (aunque es muy buena, no es un objetivo de tipo L, que son los mejores) y sobre todo tiene un rango focal muy corto.
. objetivo de focal fija macro Canon 50mm. F2.5, un objetivo perfecto para retratos y fotografía macro, que es realmente espectacular en estudio.
· objetivo Sigma 70-300 apocromático, un teleobjetivo muy potente y perfecto para principiantes, pero que carecía de estabilizador, era poco luminoso, y pecaba de poco nítido en su focal más larga.
· A parte de esto, varios trípodes, y cosas por el estilo.

Esta toma fue hecha desde la calle a una conocida libería del
centro de Madrid. La distorsión geométrica es casi inexistente,
y el grado de detalle altísimo, teniendo en cuenta que la foto
fue tomada a una sensibilidad de 1.600 ISO

Después de convivir un tiempo largo con tu equipo, vas viendo donde sufre más, qué cosas necesitas, y cuales te sobran. Mis principales carencias eran las siguientes:

. La cámara se comportaba bastante mal con poca luz, metía mucho ruido cromático y si bien se podía corregir razonablemente bien con photoshop, el resultado era lento y costoso. Además, en condiciones de luz compleja la medición de la luz fracasaba completamente, al no tener la cámara medición puntual.

· No tenía video, ni nada que se le pareciera.
· Estaba realmente harto de tener que cargar con, como mínimo, dos objetivos, uno de los cuales pesaba cerca de un kilo. Necesitaba reducir el peso del equipo para que fuese más versátil.
· La calidad de las imágenes finales resultaba en la necesidad de retocar a nivel de color, de iluminación, y en general de prácticamente todo. Era sutil, pero necesario.
· No tenía flashes, con lo que estaba muy limitado para muchos tipos de fotografía que necesita una iluminación más elaborada.

Después de mucho esperar, salió la cámara de mis sueños, pero con el pequeño detalle de que salió a un precio que solo se pueden permitir los sueños de otros, con lo que tuve que esperar muy a mi pesar. Se trataba de la EOS 5d mark II de Canon. Sus prestaciones apabullantes tenían dos que me hacían la boca agua. Por un lado, grabación de video en full hd real. Por otra, un valor iso de hasta 25.600, con unos valores intermedios, como el de 6.400, que dejaban a mi 400d en el más absoluto ridículo. Pero claro, los 2.000 euros que costaba, unidos a la necesidad de tener ópticas acorde, a no menos de 1000 euros por objetivo, un buen flash, etc, hacía que la broma se fuese a unos 4.000 euros, un verdadero disparate, con lo que no me quedó más remedio que esperar, hasta que por fin vió la luz una cámara que se ajustaba a mis necesidades reales, y a mi bolsillo.

La canon EOS 500d es una cámara perfecta para mi perfil. Es la heredera natural de la 400d, y son básicamente iguales por fuera. La ubicación de los controles, y su uso, es prácticamente igual. Entre sus características, las dos que yo buscaba. Video (en este caso en HD, no en Full HD, pero bueno, llegará) y una sensibilidad de hasta 12.600 iso, una cifra más que respetable pero bastante inútil dada su baja calidad. Sin embargo, hasta 3.200 llega sobradísima, e incluso a 6.400 es poco más o menos como la 400d a 1.600, que es lo que yo buscaba. A esto le unimos medición puntual, y una serie de características que yo resumiría en un uso mucho más sencillo y una calidad mucho mayor con mucho menos esfuerzo. Foto que tiras, foto que sale bien. Se lleva mejor con los objetivos, se lleva mejor con los flashes... en líneas generales, es la evolución natural de la cámara que yo tenía. Así que allí me fuí a por ella. Otras ventajas son el visor, mucho más luminoso y grande, y la pantalla, super nítida y bastante más grande, lo que la hace mucho más útil a la hora de constatar que la foto que hemos hecho ha salido como esperábamos. También es interesante el “liveview”, muy útil para fotografía de estudio (vamos, que puedes hacer fotos mirando la pantalla en lugar del visor).

Centrándonos en el vídeo, decir que permite una grabación en modo 480p a 30 fotogramas, en 720p a 30 fotogramas, o en 1080p a 20 fotogramas por segundo. Siendo este último casi inútil dado que habría que interpolar la imagen y quedaría un poco mal, el modo ideal es el de 720p. El resultado es bueno, siempre y cuando se grabe con un trípode y un objetivo adecuado. Aquí os pongo un clip de video que grabé en Gran Vía con el Tamron 18-270 en modo manual y sin trípode, pero como curiosidad creo que servirá. En este otro vídeo, podéis ver a u niño tocando en el templo de Debod, también en Madrid. Este vídeo está hecho con trípode, y el objetivo es el 17-85 IS USM.

El principal uso que le encuentro es el de grabar pequeñas secuencias de video, y especialmente le veo una gran utilidad para crear video para internet, dado que la calidad es realmente buena para este medio. De ahí a hacer cortos hay un mundo, pero para crear fotografías en movimiento, sin duda es una buena opción. El mayor problema que le encuentro es el de editar los videos, pues el formato .mov es un poco perrillo, pero bueno, supongo que todo será encontrar el programa adecuado. Por ejemplo no he tenido ningún problema para subir los clips a Youtube, donde incluso los podéis ver en alta definición.

El objetivo Tamron en su focal más angular (18) a la izd, y en su máxima tele (270) a la derecha,
que en su conversión equivalen poco más o menos a un 28-420.
El nivel de detalle es altísimo, y el estabilizador, sobre todo a 270, hace milagros

También había llegado el momento de comprar un flash, para lo que opté por la gama intermedia de Canon. El flash tiene básicamente dos usos, el primero, hacer fotografías en condiciones de luz en las que normalmente no saldrían. En segundo lugar, cumple la función de modelar la luz, y manipularla. Dado que fotografiar es literalmente “dibujar con luz” resulta tremendamente útil poder manipular y trabajar con la luz. Además del flash, compré un cable de un metro y medio que me permite situar el flash en un lugar diferente al de la cámara, con lo que añadido a los rebotes, lo hacen tremendamente versátil, además de fácil de usar, pues al ser de Canon, la cámara le dice al flash todo lo que necesita saber. Eso no quiere decir que no se pueda controlar el flash manualmente, que se puede, con lo que crear iluminaciones sutiles o dramáticas resulta sencillo, ayudando mucho el método de prueba y error.

La última decisión fue tal vez la más difícil. Se trata de un objetivo todoterreno de rango focal amplio, dado que estoy harto de andar cargando siempre con dos o más objetivos, especialmente cuando viajo. Dentro de ese perfil, había objetivos marca Sigma (un 18-250 estabilizado y con enfoque ultrasónico, a unos 640 euros), marca Canon (18-200 estabilizado y ultrasónico por unos 700 euros) o un Tamron, de los cuales había dos opciones, el 18-250 sin estabilizar por unos 400 euros y el 18-270 que además tenía estabilizador, pero no enfoque ultrasónico por 510. Después de mucho mirar, la duda estaba entre el sigma y el tamron, y tras mucho mirar, me fui a la tienda a probarlos. Es cierto que el Sigma enfoca un poco más rápido, pero el Tamron costaba 120 euros menos, y no se justificaba en calidad la diferencia de precio, ni mucho menos. Así que opté por este objetivo, que en su focal más corta es casi igual que el Canon que yo tenía, y en su focal más larca es casi igual que el Sigma Tele que tenía. La calidad del resultado es muy alta, siendo su mayor defecto la falta de nitidez en las esquinas de las fotos, algo comprensible dado el brutal rango focal del que hace gala, y siendo esto algo muy técnico que apenas se nota y que si bien podría ser suficiente para estropear una toma, esto solo ocurrirá en las focales más extremas, en un caso de cada mil. El viñeteo es un poco alto, pero muy fácilmente controlable, y la aberración óptica, aunque existe, no es mayor que en mi 17-85. Sorprendentemente, la distorsión es menos aparente que en el Canon. Un poco lento al enfocar, especialmente con poca luz, y en modo video un tanto inadecuado, aunque para esto ya tenemos el 50 de focal fija.

Otra imagen del Tamron 18-270. El grado de zoom es brutal sin cambiar de lente,
y el nivel de detalle es espectacular teniendo en cuenta su recorrido. Tal vez en estudio no de la talla,
pero como todoterreno es envidiable.

Con esto el equipo se queda completo durante un tiempo, siendo mi única adquisición posible el grip de la cámara, que dado su precio no me interesa demasiado, y un objetivo o convertidor que me dejen modificar la apertura del diafragma en el modo de video, algo que ahora no se puede hacer.

Y ya está, eso es todo. A lo largo del texto habéis podido ver algunas imágenes tomadas con el conjunto, ya me diréis si os gustan! Y si os interesa especialmente algo en concreto, que ya se que es todo un poquillo técnico, me lo comentáis y lo vemos con más calma ¿vale? ¡Un abrazo a todos!

Una contribución a la humanidad

Título: Nenúfares
Año: 2009
Soporte: Fotografía Digital

Aquí tenéis un regalito para empezar el día, es un fondo de escritorio, tamaño 1680x1050. Son flores de loto, la foto está hecha en Córdoba, en Mayo. Para descargarlo, tenéis que pinchar encima de la foto, y cuando se os abra a pantalla completa, hacéis click con el botón derecho, y en el menú emergente, pincháis en "Guardar como". Luego la ponéis como fondo de escritorio y ya está. Si tenéis mac o linux, os buscáis la vida :D y si no os aclaráis me lo decís y os digo cómo hacerlo. Un abrazo!

Día a día de un director de arte (2): Las imágenes por capas

Hoy me las he tenido que ver y pelear con la imagen con más capas que he visto hasta el momento. Un retoque hecho por un supuesto super pofesional, elaboradísiisisisisisma, con cuarenta o cincuenta capas (!?!?!?!?!?). La mayor parte de ellas servían para corregir una y otra vez la capa anterior. Modificar una imagen así resulta un verdadero dolor de cabeza. ¡Pero lo mejor de todo, es que al final, tampoco era ninguna maravilla! El gusto por el detalle era exquisito, faltaría más, ¡pero la imagen como conjunto presentaba unas incoherencias terribles! Lógicamente no voy a mostrar la imagen, pues el cliente podría asustarse, me limito a señalar una realidad habitual en mi trabajo, y es que el árbol normalmente no deja ver el bosque. ¡Photoshoperos al poder!

Recorridos Fotográficos: Córdoba (2)

Título: Escriba
Soporte: Fotografía Digital
Año: 2009

Paseando por las calles de Córdoba, y después de un salmorejo densísimo, nos encontramos este peculiar espectáculo. ¡Lo que uno no se encuentre en las calles de Córdoba!

Recorridos Fotográficos: Córdoba (1)

Título: Patio Cordobés

Soporte: Fotografía Digital

Año: 2009

Este fin de semana he estado en Córdoba, una de las ciudades que más me han gustado e impresionado de todos los sitios en los que he estado tanto en España como fuera, y este es un aperitivo a otras fotografías que iré subiendo sobre la antigua capital de Al-Andalus. Este es uno de sus famosos patios, los vecinos compiten entre sí para ver quien consigue el patio más bonito y mejor decorado, y tuvimos la suerte de llegar a la ciudad en pleno concurso. ¡Espero que os guste!

¡Feliz Año Nuevo! (Y vámonos a hacer fotos)

Pues lo dicho, feliz año a todos y a todas, y como el año pasado os propongo que volvamos a jugar a "la primera foto del año". Es una forma bonita de ver cómo empieza este 2009, que va a ser un año bastante peculiar, probablemnte lleno de cambios y de momentos duros y momentos dulces. Así que os propongo que me mandéis una foto. El tema es libre, lo único que me gustaría es que fuese la primera foto que hagáis este año y que penséis que merece la pena. Ya se que es un criterio muy ambiguo, pero ¡así es como se juega! Así que aquí espero pacientemente. El año pasado hubo algunas fotos fantásticas (aun recuerdo la foto de la abuela de Datxu) y estoy deseando ver qué me mandáis este año. Más o menos cuando llegue Febrero las publicaremos. Pues lo dicho, ¡feliz año nuevo a todos y a todas y animaos, que las vamos a subir todas! ¡Un abrazo!

Puertas: 6

Título: Línea
Soporte: Fotografía Digital
Año: 2007

Hacía tiempo que no subía ninguna fotografía, porque no acabo de encontrar tiempo para dedicarle al blog, entre tantas cosas que ando haciendo. Durante los últimos dos años he seguido desarrollando el proyecto de fotografía de puertas, y he seguido descubriendo composiciones muy sugerentes. Arte encontrado frente a creado, pero, al discriminar una imagen frente a todas las que percibimos, ¿no estamos precisamente creando dicha imagen? Una reflexión interesante para una tarde aburrida, ¡espero que os guste la imagen!

"Coleccionar el mundo" en la Fundación Mapfre

En la sala que la fundación Mapfre tiene en la Avenida General Perón (recordemos que ahora también tienen una en Recoletos 23) se exhibe estos días una muestra de fotografía. El hilo conductor de la exposición es la ciudad de Nueva York, vista desde los objetivos de seis de sus fotógrafos más ilustres. Las conexiones directas e indirectas que surgen entre los seis fotógrafos, que son de dos generaciones distintas y bien diferenciadas ((Walker Evans, Helen Levitt y Harry Callahan, nacidos entre 1903 y 1913, y Diane Arbus, Lee Friedlander y Garry Winogrand, nacidos entre 1923 y 1934) sirven como base para mostrar parte del trabajo de los seis fotógrafos, considerados todos ellos como algunos de los más importantes exponentes de esta disciplina.

En esta página tenéis una breve biografía de todos ellos, pero por resumir mucho, realmente mucho, diremos dos apuntes de cada uno:

· Diane Arbus se caracteriza por ser muy directa. Dedicó gran parte de su actividad fotográfica a retratar lo extraño, lo feo y lo grotesco.

· Harry Callahan, poseedor de una técnica extremadamente depurada, consigue aislar y presentar en sus fotografías un retrato de su sociedad en la que solo observa sin intervenir.

· Walker Evans está considerado el padre de la fotografía documental, y retrata de forma minuciosa su entorno y la ciudad en la que vive.

· Lee Friedlander es una figura clave de la fotografía postdocumentalista. Utiliza la iconografía de la fotografía documental para plasmar una visión más global de su entorno y de sí mismo. Su visión es crítica, frente a la visión documentalista, que sigue el principio de no-intervención.

· Helen Lewitt, como lo hiciera Cartier Bresson, ejerce de cronista a través de lo instantáneo, de la sutileza y de la lírica. Retrata la ciudad a través de elemenos que no parecen tener relación entre sí, y que sin embargo contienen un elegante y profundo discurso.

· Garry Winogrand es, como Lee Friedlander, un fotógrafo postdocumentalista. Su propósito es el de entender la vida a través de las fotografías.

Sin duda todas las piezas presentadas son de una calidad incuestionable, pues sin duda estamos hablando de maestros de la fotografía. Desde un punto de vista estrictamente personal, me llamaron especialmente la atención las obras de Lee Friedlander, una serie de fotografías en las que aparecen monitores de televisión, pues su contenido conceptual, en el que se apela al espectador a no caer en la trampa de la narrativa sencilla, por ser muy moderna, y poco habitual en los fotógrafos docuementalistas, post documentalistas, etc.

La obra de Diane Arbus, que para mí fue el anzuelo que me hizo hasta la exposición a verla, es desde mi punto de vista la más impresionante de todas. Cada fotografía tiene una fuerza desgarradora, me pareció impactante y desde mi punto de vista la exposición entera merece la pena solo por ver las obras de la autora, recientemente retratada en la película "Fur" (en castellano "Retrato de una Obsesión").

Y por último destaco la obra de Helen Lewitt, que me sorprendió por su exquisitez y su delicadeza, realmente hacía tiempo que no veía obras que de forma tan evidente y a la vez tan sencilla reflejasen semejante nivel de perfección, de gusto por el detalle, y a la vez tanto contenido lírico. Una fotógrafa a la que yo no conocía, y que sin duda me ha parecido interesantísima.

Así que el resumen es que si os gusta la fotografía documental, no deberíais perderos la exposición. Como siempre una exposición soberbia de la Fundación Mapfre de Madrid. Si vais a verla, me contáis si os ha gustado ¿vale? ¡Un abrazo!

Más fotos de Berlín

En la entrada "Berlín 08, Segundo día" he subido algunas fotos más del viaje a Berlín, por si os apetece echar un vistazo. De paso he subido esta, que es un trocito del muro de Berlín que estaba en la Konstanzer Platz. Espero que os guste!

PE08: W. Eugene Smith en el teatro Fernán Gómez

Hace más o menos tres semanas que fui a ver esta exposición de W. Eugene Smith. Me resultó tan pregnante, tan profunda, que he tenido que esperar tres semanas a poder digerirla y encauzar mi rumbo de pensamientos antes de hacer una reseña sobre la misma. Ahora siento que ya la he digerido, y que estoy preparado para explicar el porqué me impresionó tanto.

Pero vamos por orden, lo primero es explicar que el señor William Eugene Smith era un fotógrafo, especializado en el reportaje fotográfico, y considerado uno de los fotógrafos más influyentes de la historia en su campo. Inició su carrera trabajando para varias revistas, pero fue la revista "Life" la que le sirvió para consolidarse y desarrollar su propio lenguaje. Era conocido por su perfeccionismo, lo que unido a una personalidad obsesiva le traería grandes problemas a lo largo de su vida. Su entrega a su trabajo era total. Durante la guerra mundial sufrió heridas que lo manutivieron postrado en una cama, y solo su fuerza de voluntad y su necesidad de seguir fotografiando le hicieron superarlo. Toda su energía la dedicó a la observación, pero no una observación científica y neutra sino controlada, de tal forma que con sus imágenes podía transmitir las sensaciones que a él le interesaban.

Existe abundante información en internet sobre Eugene Smith, a continuación os dejo unos pocos enlaces, pero es fácil encontrar muchas más imágenes muy interesantes sobre el autor.

· Eugene Smith en la wikipedia
· esmadrid.com
· El ángel Caído, comentario de Manuel Rodríguez
· Photoespaña

En la muestra que se puede ver en el teatro Fernán Gómez se puede ver una retrospectiva de la obra del autor, con algunas piezas que no se exhibían al público desde hace décadas. Se divide en secciones.

La primera sección la dedica a un pueblo español. En la época de Franco, y como crítica al mismo, constata el estado casi primitivo de un pueblo en España.

La segunda sección la dedica a la figura de un médico, en un pequeño pueblo de EEUU, siguiéndole durante un mes, y observando el cuidado que dedica a las gentes, y a la comunidad, y también la forma en la que éstos le tratan a él.

La tercera sección la dedica a la figura de una comadrona negra también en EEUU, observando y acompañándola a todas partes, y viendo como la mujer hace no solo de comadrona, sino también de enfermera, maestra, cuidadora de niños, cocinera, etc.

La cuarta sección la dedica a un alemán que trabaja en África creando escuelas y haciendo labores humanitarias.

La quinta sección, y tal vez la más interesante desde el punto de vista visual, está dedicada a la época en la que trabajó sobre Pittsburg, su trabajo más importante y monumental, que por desgracia nunca llegó a terminar. En esta sección se pueden ver las que bajo mi punto de vista son las fotografías más interesantes desde el punto de vista plástico, y además se observa el proceso de preparación no solo de las fotografías sino también de la maquetación de su libro.

En la última sección se puede observar una recopilación de varias series, entre las que destacan la de Minamata, un reportaje-denuncia en la que Eugene Smith fue a un pueblo de Japón donde se producían vertidos de mercurio en un lago del que luego bebían los habitantes. A esta serie pertenece una de sus fotografías más conocidas, la de "Tomoko tomándose su baño".

Lo que más me impresionó de este autor fue su entera implicación en cada trabajo que hacía. En lugar de un observador pasivo, él se implicaba, buscando los valores más profundos del espíritu humano, como la nobleza, o la devoción y empeño que ponían en su trabajo tanto el médico como la comadrona, convirtiéndolos en auténticos ejemplos y referencias. Eso me hizo reflexionar sobre las personas a las que idolatramos en la actualidad, personas vacías como cascarones, que solo tienen belleza. Que en lugar de implicarse con la comunidad miran solamente por su propio beneficio. En lugar del concepto de grupo, estamos en la sociedad del individualismo. En lugar de querer ver los problemas de verdad, nos centramos en pequeñeces que realmente no nos afectan, pero que nos hacen sentir bien. No nos implicamos realmente en nada, no sacrificamos nada, no renunciamos a nada. Esa libertad de juzgar que hemos perdido por la sociedad mediatizada en la que nadie se atreve a tener una opinión propia, esa super importancia del objeto o del físico por encima del sujeto o de la persona. Cuando salí de la exposición mi cabeza ardía con todos estos pensamientos, y meditaba sobre la necesidad de que lo que nosotros hagamos, aunque solo sean fotos, sirva para otras personas, y no nos centremos tanto en lo nuestro, en el super-ego. O por lo menos que no cerremos los ojos, que no nos neguemos a mirar a nuestro alrededor. Y que recordemos y nos esforcemos muchísimo por averiguar cuáles son nuestros valores, que sepamos reconocer las virtudes de los demás, pero lo más importante, que no nos dejemos deslumbrar por bombillas potentes pero vacías.

Ya digo que a veces depende del estado de ánimo del espectador más que de la exposición en sí misma, pero a mí esta exposición me impresionó, y me recordó lo cercano que puede estar el arte del mundo real, y lo útil que puede ser para la sociedad. Espero que si tenéis la oportunidad de ver esta exposición no os la perdáis. ¡Un abrazo a todos!

PH08: Mírate, en la Fundación Canal

La fundación Canal, paralelamente a la exposición retrospectiva sobre Duane Hanson, presenta una exposición fotográfica. Se trata de una exposición que nace de un proyecto de colaboración entre modelos y artistas. Más de cien fotografías expuestas tanto al aire libre, como dentro del Depósito Elevado, que se abre al público por primera vez.

A efectos prácticos, se trata de una serie de fotografías puestas sobre la pared del patio. Da una sensación desangelada, como si estuviesen ahí puestas porque no había otro sitio. Se trata de una sucesión de retratos de cara y de cuerpo entero que no parecen guardar mucha relación entre sí. Tampoco es fácil encontrar información sobre la razón de ser de la recopilación.

Bajo mi punto de vista se queda en una exposición algo vacía e intrascendente, si bien es cierto que como concepto es interesante, parece que no está demasiado bien ejecutada y resulta poco atractiva. Con todo, os dejo unos enlaces donde podéis encontrar más información.
Si decidís ir a verla, espero que podáis sacarle más partido que yo...

Educa Madrid
Fundación Canal
Photoespaña

Ricardo Salamanca-Salamágica

En este enlace podéis entrar en el portfolio de Ricardo Salamanca-Salamágica, artista que trabaja principalmente con montaje fotográfico y publicidad, y cuyo resultado me parece francamente interesante. La página me la ha mandado mi amigo Josito, e incluyo uno de los trabajos que aparecen en la misma, porque como muestra un botón. Espero que os guste, porque a mí me ha parecido fantástico!

Agur, Abue

Gracias por todo

y hasta pronto

Juan María Martín Zubillaga, 10 de Febrero de 1933, 9 de Mayo de 2008