Workshop de Iluminación de Estudio y fotografía de Moda

Bueno, por fin tengo un rato para ponerme a escribir un poco.

El acontecimiento más interesante de cara a reflejarlo en el blog, es mi asistencia al workshop de iluminación de estudio y fotografía de modelos, al que tuve la ocasión de asistir la semana pasada.

Impartido por el fotógrafo de moda Pere Larrégula (en la foto de la izquierda, con una carta de gris neutro), un barcelonés de acento muy divertido, el curso estaba organizado por canonistas.com, que es una página web de aficionados a las cámaras de Canon, entre los que me encuentro. Surgió la oportunidad, y mira, fuí de cabeza para allá.

Los contenidos teóricos que trabajamos fueron el trabajo con modelos, los parámetros más importantes en una cámara réflex en lo que tiene que ver con fotografía de modelos, y la forma en la que debe ser trabajada la iluminación en un estudio de fotografía.

En esta fotografía, Lena está iluminada

con un esquema clásico de fotografía de moda,

un foco frontal con softbox, y dos focos, uno de

tres cuartos y otro lateral.

El primer día dimos la clase teórica, en un sitio que se llama “Aula Center”, que está en la zona de Rubén Darío. En la clase estuvimos viendo algunos conceptos teóricos. Me sorprendió la complejidad de los mismos, que en muchos momentos parecían más una clase de matemáticas que otra cosa. Aprendimos cómo medir la cantidad de luz, enfatizando especialmente en la “Ley inversa del cuadrado de las distancias”, cuya función aplicada a la fotografía consiste en saber calcular cual es la caida de la luz, dada una fuente. También estuvimos estudiando la configuración de la cámara más adecuada en estudio. Normalmente se tira a 1/200, dado que la luz de los flashes es suficiente para congelar la imagen, con lo que no es necesario disparar más deprisa. El número f más adecuado, dependiendo del objetivo, que suele rondar el f9, dado que menos número f implica viñeteo y una profunidad de campo demasiado pequeña, y un número f demasiado alto, hace que la luz rebote dentro del objetivo y cree aberraciones lumínicas. Hablando de la profundidad de campo, estudiamos cómo calcular exactamente la cantidad de motivo enfocado dependiendo de la profundidad de campo, del tipo de cámara, etc. El enfoque preciso es prácticamente lo más importante de cara a que una fotografía sea utilizable, una fotografía con un “foco blando” es directamente inutilizable. El enfoque siempre se hace en los ojos de la modelo, salvo casos especiales, en los que hay que buscar puntos de enfoque neutros.

En esta fotografía, Sara está iluminada con un esquema

de luz "tipo Rembrandt", esto es, un foco a tres cuartos

frontal por su izquierda, y otro a tres cuartos trasero

por su derecha, con una relación de 1:4 de potencia.

Podría seguir escribiendo dos horas, o tres, pero vamos, yo creo que más o menos ya véis por donde van los tiros. El resto de la clase teórica la dedicamos a ver diferentes esquemas de iluminación y a ver diferentes tipos de bombillas. Y terminamos estudiando cómo hablar con una modelo, como trabajar para ganarte su confianza, y cómo formular un contrato que nos autorice a utilizar las imágenes obtenidas. Realmente muy completo, y claro, salimos todos asustados, porque al día siguiente nos íbamos a morir de la comlejidad.

Al día siguiente fuímos todos para el barrio de La Latina, al ladito de Puerta de Toledo, y en la parte de atrás de Fotocasión, una de las mejores tiendas de fotografía de Madrid. Al poco rato entramos en el estudio, era un poco feucho, pero muy amplio. Habían montado un pequeño set, con un plástico mate blanco que caía desde el techo y llegaba al suelo, no doblado en ángulo recto, sino con una curvatura que haría que el horizonte desapareciera una vez hiciéramos la foto.

Existen dos tipos de iluminación (básicamente) en fotografía, la que da luz de forma constante, y la que da luz de golpe. En cine se suele utilizar la primera, pero en fotografía normalmente se utiliza la segunda, que es capaz de dar una cantidad brutal de luz (de miles de vatios) durante un periodo de tiempo muy corto. Nosotros trabajamos con luces de tipo flash, que sincronizaban a 1/200 de segundo con el obturador de la cámara. Es muy difícil trabajar con luz que no ves, y para poder hacerte una idea de cómo va a ser más o menos la iluminación, se utiliza una luz que se llama de modelado, que no es más que un foco de tungsteno que te orienta de cómo va a ser más o menos la luz.

Aparecen entonces dos problemas. El primero es medir la cantidad de luz que da cada uno de los focos, así como calcular la pérdida de luz (por ejemplo entre el objeto y el fondo) y calcular también las zonas en las que luz se solapa (en estas zonas hay más luz). No solo esto, sino que además hay que calcular una temperatura del color adecuada, dado que la luz de tungsteno es diferente a la luz de los flashes.

Se siguen entonces los siguientes pasos. Lo primero que se hace es elegir el esquema que vas a utilizar. Nosotros, por ejemplo, empezamos probando un esquema de luz muy sencillo, que consistía en un foco orientado en tres cuartos, y un foco esclavo lateral, con un ratio de luz 1:4.

Una vez elegido el esquema, con el fotómetro (que en la clase teórica aprendimos a utilizar y que es una herramienta indispensable en este tipo de fotografía) hacíamos una medición de la luz, y pasábamos los parámetros a la cámara. Evidentemente, movíamos los flashes adelante y atrás hasta encontrar el resultado deseado, en el que la modelo y el fondo estaban razonablemente bien iluminados. Una vez hecho esto, hacíamos una foto a un compañero que sostenía una carta de gris neutro (es decir, un gris del 18%) que sirve para calibrar la luz con una precisión alta. Normalmente los flashes dan una luz de 5.300 kelvin poco más o menos. Una vez preparado todo, y con la cámara bien cogida (tiene tela el asunto, además, en este tipo de foto hay tanta luz que no hace falta el trípode para nada, con lo que te puedes mover como quieras para encontrar los mejores ángulos) entraba en escena la modelo. Esta parte es muy divertida, porque tú le tienes que decir lo que quieres que haga, y entra en juego la parte psicológica, ella tiene que estar a gusto y tranquila, sino jamás será capaz de conseguir lo que tú como fotógrafo buscas.

Carina posa con un esquema de iluminación que se compone

de un foco "Beauty" (con una gran campana blanca que dispersa

la luz eliminando imperfecciones), un foco de efectos que le realza

el pelo destacándolo sobre el fondo, y un tercer foco que ilumina el fondo.

A partir de este momento, lo que hicimos fue hacer muchas fotos, y probar diferentes esquemas e iluminación, con luces duras, luces blandas, iluminaciones más frontales, e incluso luces de efecto (se trata de una luz trasera con la que realzas los brillos del pelo, de la ropa, o lo que tú quieras).

Al día siguiente cambiamos de estudio, fuimos a uno que estaba muy cerquita, y que tenía dos zonas de trabajo, una con un fondo negro y un esquema de iluminación similar al del día anterior, y otra zona con un exterior en la que entraba luz de día. En este último esquema de iluminación nos pasamos trabajando casi toda la mañana, con una softbox de dos metros de alto, colocada a 7 metros de la modelo, los resultados resultaron espectaculares.

En resumen, el curso fué complejo y de un nivel técnico que para mí fué bastante elevado. Conocimos herramientas que normalmente solo suelen utilizar los profesionales, y tuvimos ocasión de probar algunos equipos impresionantes (yo pude probar la “21”, es decir, la Canon EOS 1ds Mark III del profe, con un objetivo 70-200 2.8 estabilizado). Aunque este tipo de fotografía yo la estudié en la universidad, lo hice solo por encima, y nunca había tenido ocasión de profundizar un poco en el tema, así que me quedé realmente encantado con los conocimientos adquiridos. Y como es habitual en este tipo de cursos, también me quedé encantado con toda la gente con la que pude trabajar, todos los compañeros del curso eran unos máquinas, y eran todos majísimos, con lo que además de compartir una pasión que todos teníamos, pudimos hacer contactos y conocer gente que me pareció realmente genial.

Yo creo que Lena acabó un poco harta de tener a 15

personas sacándole fotos como posesas...

Y eso fue todo,. Ahora ya me he apuntado al curso de fotografía de desnudos, y estoy deseando que llegue el día 12 de Diciembre para irme con mi chiquitina (qué triste, mi cámara era la más poca cosa de todas... al menos luego las fotos daban el pego, pero las EOS 5d mark II que había por allí me mataron del todo...) y aprender como iluminar una moza como es debido.

Aquí tenéis la suma de 15 apasionados de la fotografía, un crack

mediático (el profe) y cuatro pedazo de bellezones (las modelos y la maquilladora)

¡Espero que os haya parecido interesante, un abrazo a todos!

Fotografiando

En faustoArt la fotografía ha ido tomando un papel cada vez más relevante. Mi primera cámara de fotos la tuve siendo un niño, pero la primera vez que la fotografía realmente me llamó la atención fue hace unos 8 o 9 años, cuando estando en segundo año de carrera, me compré mi primera cámara digital. Soy un fanático de lo digital, tener que pagar toneladas de dinero que no tenía en revelar fotos, hacía que la fotografía fuera un imposible para mí. Sin embargo la fotografía digital hizo que por fin pudiera utilizar la herramienta de manera indiscriminada, y ahí fué donde nació mi pasión por la fotografía, que es sin duda una de mis mayores aficiones.

Paralelamente a la adquisición de mi cámara de fotos, mis estudios de Bellas Artes avanzaban a buen ritmo, y si bien a partir de ese año me enfoqué decididamente por el diseño gráfico, el arte y las imágenes siguieron siendo motivo de investigación y estudio por mi parte. Así, aprendíamos a pintar, a ilustrar, a hacer fotografía, a trabajar con escultura y con elementos tridimensionales... Es decir, por un lado aprendíamos a crear imágenes, y por otro a traducir esas imágenes al lenguaje de la comunicación visual, pues eso es el diseño gráfico, comunicación visual.

Con el tiempo me compré mi segunda cámara, y aunque era una compacta, era bastante más seria que la primera, y me permitía un control mucho más manual sobre las fotografías. Tuvo que ser con mi primer trabajo cuando por fin me pude comprar mi primera reflex, digital, por supuesto, hará unos tres años, y apenas un par de meses desde que me he comprado la que tengo actualmente.

Se pueden ver dos conclusiones claras, por un lado, que con mi carrera aprendí a crear imágenes y a utilizar lo visual como un lenguaje. Por otro lado, que la fotografía es una afición que desarrollo desde hace ya unos cuantos años. La conjunción de ambos factores, hacen que a estas alturas ya haya desarrollado unos gustos e intereses muy concretos dentro del mundo de la fotografía.

Ya he publicado más de un post sobre tecnología y sobre técnica fotográfica, y no es esa la intención de este post, sino poner un poco en claro qué me interesa a mí en el mundo de la fotografía, y por qué.

La técnica es imprescindible cuando se trata de fotografías
de trabajo, como la foto documental o la publicidad.

Pues existen muchos perfiles dentro de los fotógrafos. Hay muchas personas que utilizan la cámara por el placer que les produce manejar una cámara. Es muy fácil caer en el onanismo fotográfico, y buscar la fotografía perfecta. Y es que existe un estilo fotográfico que podríamos calificar de metafotografía, pues su interés se queda simplemente en conseguir una exposición, nitidez, granulado y cromatismo perfectos, amén de una composición perfecta, etc. Pero luego aparecen como fotografías vacías, sin vida. Es muy placentero realizar fotografías de este perfil, y abundan en internet. A mí ciertamente me gusta de vez en cuando realizar tomas de este tipo, pues sirven para mejorar la técnica. A partir de este perfil surgen estupendos fondos de pantalla, por cierto. Por otra parte, un perfil tan técnico es perfecto para desarrollar la fotografía como profesión, pues una perfección técnica implica una dificultad que no todos los fotógrafos alcanzan.

Un perfil fotográfico habitual es el de la fotografía técnica.
Suelen resultar en fotografías ligeramente vacías, aunque bonitas.

Otro perfil posible es el perfil temático. Es decir, muchos fotógrafos se sienten atraídos por capturar escenas relacionados con un tema concreto. En este perfil entran, por poner un ejemplo, los fotoperiodistas y los padres, así como los bachilleres obsesionados con la macrofotografía. Desde luego es un paso de avance con respecto al primer perfil, dado que la técnica y sus gustos personales van evolucionando por mera acumulación, hasta conseguir resultados brillantes.

Elegir un tema, o desarrollar un interés particular, ayuda
a conseguir a desarrollar no solo la técnica, sino también
a trabajar la fotografía como lenguaje.

Otra función de la cámara de fotos es, sencillamente, capturar momentos. Este es un uso habitual cuando pensamos en fotografías de viaje, por ejemplo, y vamos haciendo fotos a todo lo que ocurre a nuestro alrededor.

Podemos seguir así, planteando perfiles, y viendo evoluciones, porque al final son los matices los que marcan la diferencia entre unos fotógrafos y otros. Y dentro de cada perfil, hay mejores fotografías, y peores. Y viendo toda esta información, cuando llegas a cierto nivel de evolución dentro de una afición, debes plantearte cual es tú perfil y por qué.

Mi perfil dentro de la fotografía es peculiar y no está del todo definido. Es peculiar porque mi interés principal consiste en generar imágenes. Me interesa la técnica y la tecnología, en cuanto entiendo que existen limitaciones en la actualidad, y estoy interesado siempre en ver cómo evoluciona, y ver cómo van apareciendo soluciones a esos problemas (como puede ser la sensibilidad ISO o el ruido, por ejemplo). Me interesa la técnica porque en mi trabajo de vez en cuando tengo que utilizar la fotografía como herramienta, y debo saber diferenciar entre una “buena fotografía” y una “mala fotografía” desde un punto de vista publicitario (con mis limitaciones, por supuesto). También me interesa mucho la función documental de la fotografía, y por eso la utilizo mucho en mis viajes (viajo todo lo que puedo y un poquito más), sobre todo en lo que tiene que ver con arte y arquitectura, pero también con personas, naturaleza, y en general, un poquito de todo.

Esta fotografía fué tomada buscando una composición en la que
el color, las líneas y los contrastes forman una armonía de detalles,
quedando la figuración en un segundo plano gracias a la descontextualización
del motivo, que en este caso es un rascacielos en obras en la City, en Londres

Y por fin tengo un rinconcito, muy personal, en el que suelo trabajar siempre que tengo la oportunidad. Y no, no son las mujeres desnudas. Se trata de un tema un poco dificil de definir, y poco atractivo para la mayoría, o al menos eso supongo. Se trata de composiciones, normalmente abstractas, en las que los pesos visuales, las formas, las líneas, crean esas contradicciones formales que resultan tan interesantes. La abstracción fotográfica a partir de la búsqueda intencionada del “no motivo” y la descontextualización de la forma. Un juego que va desde buscar composiciones homogéneas, al estilo del expresionismo abstracto, a buscar la contradicción en la geometría, o el contraste cromático, o simplemente un choque de texturas. Meditando sobre esto, veo que llevo años trabajando sin darle un sentido concreto a esta idea. Y he trabajado en series de fotografías, como la serie de puertas, en las que de forma intuitiva buscaba este tipo de situaciones.

Ya en mi época de estudiante la fotografía abstracta
llamaba poderosamente mi atención

Se que no es una temática original, pues hay muchos artistas que trabajan sobre ella, pero es una forma muy personal de ver el mundo, y la fotografía es una forma perfecta de reflejarla, creo que todos los diseñadores, y personas que trabajan con imágenes en general, vemos pautas, patrones, situaciones, que nos resultan sugerentes de una forma u otra, y yo he encontrado en la fotografía uan forma de materializar esas ideas y convertirlas en algo sólido, e incluso en algunos casos, utilizable. Una concecpción más abstracta del mundo que nos rodea que, además, nos invita a una mirada más sutil, que a veces nos ayuda a descubrir situaciones o formas que otros no ven.

De vez en cuando está bien reflexionar sobre lo que hacemos y por qué lo hacemos, igual que alguien que está aprendiendo a tocar la guitarra en un momento decide que le gusta más Albéniz que ACDC, o alguien que hace construcciones decide que le gustan más las catedrales que los castillos.

En los próximos días empezaré a subir las fotografías que he hecho este verano cuando he estado en Londres, y veréis como aparecen fotografías de todos los perfiles, si tengo tiempo tal vez elija alguna de las fotografías que más me han gustado desde este punto de vista más personal, e intentaré explicar, como ejercicio, el por qué me han gustado más.

Pero bueno, de momento voy a acabar de prepararlas, espero que esta reflexión os haya resultado interesante, un abrazo, ciao!

Actualizando mi equipo fotográfico

Por fin he terminado de actualizar mi equipo de fotografía.

La fotografía es uno de esos mundos híbridos en los que la tecnología para profesionales y la tecnología para aficionados se ven separados solo por una línea difusa (como ocurre por ejemplo entre los deportistas de fin de semana y los deportistas de élite, o entre informáticos “de verdad” y jugadores acérrimos de pc, por poner dos ejemplos), y es terriblemente fácil caer en la tentación de adquirir equipo al que no le podemos sacar partido. No es ya que no queramos, o que no seamos lo suficientemente bueno s fotógrafos, sino que simplemente son equipo profesional, y si no somos profesionales, nunca llegaremos a poner el material al límite, ni de lejos, con lo que pagar las enormes sumas que componen la diferencia, es simplemente un desperdicio de dinero.

Así que elegir el material en fotografía se convierte en un genuino dilema, que implica muchísimos cálculos y cábalas, para tomar las decisiones más atinadas que nos sea posible.

Me parecía interesante para un post exponer los argumentos que he tenido en cuenta a la hora de elegir mi equipo, así como las diferentes opciones que he ido descartando.

Lo primero que se debe hacer es pensar cual es nuestro perfil como fotógrafos a la hora de elegir nuestro equipo, y para eso debemos pensar qué uso concreto le vamos a dar a las fotografías que hagamos.

En esta fotografía tomada en el centro de Madrid,
se ve cómo a una distancia focal larga, se consigue un suave
desenfoque del fondo y un gran detalle en el primer plano.

Mi perfil se compone de dos áreas diferenciadas. Por una parte, está el área profesional, en la que desarrollo mi trabajo de diseñador gráfico “todoterreno” en el que de vez en cuando tenemos que realizar alguna fotografía para algún original de prensa, normalmente en estudio y alguna vez en exterior, siempre trabajos sencillos que, no obstante, requieren de unos mínimos niveles de calidad para salir publicados tanto en on-line como impresos.

Por otro lado, mi perfil personal, en el que me gusta mucho la fotografía como afición. Las fotos que más me gustan suelen ser en viajes, pero también en ciudad. No me interesa demasiado la fotografía de estudio, sino un equipo polivalente que sea capaz de capturar cualquier imagen que se me ocurra captar.

Esta es una fotografía tomada en estudio, con el objetivo 50 macro
de Canon, e iluminación con flash. El nivel de detalle es altísimo.

Además de eso, debo tener en cuenta que este es mi tercer año con una cámara buena pegada, y ni se cuantos años llevo ya pegado a una cámara de fotos en general. El equipo que adquiera, debe como mínimo superar el equipo que ya tengo, si no el cambio lógicamente no me merece la pena.

Encontré ciertas carencias en mi equipo básico, pero para entenderlas, lo mejor es primero explicar qué equipo tenía:

· Cuerpo eso 400d de Canon, una cámara de principiante, pero capaz de obtener buenos resultados. Por lo demás, bastante básica en todo.
· objetivo estandar Canon 17-85 con estabilizador de inagen y enfoque ultrasónico, muy rápido, pero con una calidad de imagen que me dejó un poco indiferente (aunque es muy buena, no es un objetivo de tipo L, que son los mejores) y sobre todo tiene un rango focal muy corto.
. objetivo de focal fija macro Canon 50mm. F2.5, un objetivo perfecto para retratos y fotografía macro, que es realmente espectacular en estudio.
· objetivo Sigma 70-300 apocromático, un teleobjetivo muy potente y perfecto para principiantes, pero que carecía de estabilizador, era poco luminoso, y pecaba de poco nítido en su focal más larga.
· A parte de esto, varios trípodes, y cosas por el estilo.

Esta toma fue hecha desde la calle a una conocida libería del
centro de Madrid. La distorsión geométrica es casi inexistente,
y el grado de detalle altísimo, teniendo en cuenta que la foto
fue tomada a una sensibilidad de 1.600 ISO

Después de convivir un tiempo largo con tu equipo, vas viendo donde sufre más, qué cosas necesitas, y cuales te sobran. Mis principales carencias eran las siguientes:

. La cámara se comportaba bastante mal con poca luz, metía mucho ruido cromático y si bien se podía corregir razonablemente bien con photoshop, el resultado era lento y costoso. Además, en condiciones de luz compleja la medición de la luz fracasaba completamente, al no tener la cámara medición puntual.

· No tenía video, ni nada que se le pareciera.
· Estaba realmente harto de tener que cargar con, como mínimo, dos objetivos, uno de los cuales pesaba cerca de un kilo. Necesitaba reducir el peso del equipo para que fuese más versátil.
· La calidad de las imágenes finales resultaba en la necesidad de retocar a nivel de color, de iluminación, y en general de prácticamente todo. Era sutil, pero necesario.
· No tenía flashes, con lo que estaba muy limitado para muchos tipos de fotografía que necesita una iluminación más elaborada.

Después de mucho esperar, salió la cámara de mis sueños, pero con el pequeño detalle de que salió a un precio que solo se pueden permitir los sueños de otros, con lo que tuve que esperar muy a mi pesar. Se trataba de la EOS 5d mark II de Canon. Sus prestaciones apabullantes tenían dos que me hacían la boca agua. Por un lado, grabación de video en full hd real. Por otra, un valor iso de hasta 25.600, con unos valores intermedios, como el de 6.400, que dejaban a mi 400d en el más absoluto ridículo. Pero claro, los 2.000 euros que costaba, unidos a la necesidad de tener ópticas acorde, a no menos de 1000 euros por objetivo, un buen flash, etc, hacía que la broma se fuese a unos 4.000 euros, un verdadero disparate, con lo que no me quedó más remedio que esperar, hasta que por fin vió la luz una cámara que se ajustaba a mis necesidades reales, y a mi bolsillo.

La canon EOS 500d es una cámara perfecta para mi perfil. Es la heredera natural de la 400d, y son básicamente iguales por fuera. La ubicación de los controles, y su uso, es prácticamente igual. Entre sus características, las dos que yo buscaba. Video (en este caso en HD, no en Full HD, pero bueno, llegará) y una sensibilidad de hasta 12.600 iso, una cifra más que respetable pero bastante inútil dada su baja calidad. Sin embargo, hasta 3.200 llega sobradísima, e incluso a 6.400 es poco más o menos como la 400d a 1.600, que es lo que yo buscaba. A esto le unimos medición puntual, y una serie de características que yo resumiría en un uso mucho más sencillo y una calidad mucho mayor con mucho menos esfuerzo. Foto que tiras, foto que sale bien. Se lleva mejor con los objetivos, se lleva mejor con los flashes... en líneas generales, es la evolución natural de la cámara que yo tenía. Así que allí me fuí a por ella. Otras ventajas son el visor, mucho más luminoso y grande, y la pantalla, super nítida y bastante más grande, lo que la hace mucho más útil a la hora de constatar que la foto que hemos hecho ha salido como esperábamos. También es interesante el “liveview”, muy útil para fotografía de estudio (vamos, que puedes hacer fotos mirando la pantalla en lugar del visor).

Centrándonos en el vídeo, decir que permite una grabación en modo 480p a 30 fotogramas, en 720p a 30 fotogramas, o en 1080p a 20 fotogramas por segundo. Siendo este último casi inútil dado que habría que interpolar la imagen y quedaría un poco mal, el modo ideal es el de 720p. El resultado es bueno, siempre y cuando se grabe con un trípode y un objetivo adecuado. Aquí os pongo un clip de video que grabé en Gran Vía con el Tamron 18-270 en modo manual y sin trípode, pero como curiosidad creo que servirá. En este otro vídeo, podéis ver a u niño tocando en el templo de Debod, también en Madrid. Este vídeo está hecho con trípode, y el objetivo es el 17-85 IS USM.

El principal uso que le encuentro es el de grabar pequeñas secuencias de video, y especialmente le veo una gran utilidad para crear video para internet, dado que la calidad es realmente buena para este medio. De ahí a hacer cortos hay un mundo, pero para crear fotografías en movimiento, sin duda es una buena opción. El mayor problema que le encuentro es el de editar los videos, pues el formato .mov es un poco perrillo, pero bueno, supongo que todo será encontrar el programa adecuado. Por ejemplo no he tenido ningún problema para subir los clips a Youtube, donde incluso los podéis ver en alta definición.

El objetivo Tamron en su focal más angular (18) a la izd, y en su máxima tele (270) a la derecha,
que en su conversión equivalen poco más o menos a un 28-420.
El nivel de detalle es altísimo, y el estabilizador, sobre todo a 270, hace milagros

También había llegado el momento de comprar un flash, para lo que opté por la gama intermedia de Canon. El flash tiene básicamente dos usos, el primero, hacer fotografías en condiciones de luz en las que normalmente no saldrían. En segundo lugar, cumple la función de modelar la luz, y manipularla. Dado que fotografiar es literalmente “dibujar con luz” resulta tremendamente útil poder manipular y trabajar con la luz. Además del flash, compré un cable de un metro y medio que me permite situar el flash en un lugar diferente al de la cámara, con lo que añadido a los rebotes, lo hacen tremendamente versátil, además de fácil de usar, pues al ser de Canon, la cámara le dice al flash todo lo que necesita saber. Eso no quiere decir que no se pueda controlar el flash manualmente, que se puede, con lo que crear iluminaciones sutiles o dramáticas resulta sencillo, ayudando mucho el método de prueba y error.

La última decisión fue tal vez la más difícil. Se trata de un objetivo todoterreno de rango focal amplio, dado que estoy harto de andar cargando siempre con dos o más objetivos, especialmente cuando viajo. Dentro de ese perfil, había objetivos marca Sigma (un 18-250 estabilizado y con enfoque ultrasónico, a unos 640 euros), marca Canon (18-200 estabilizado y ultrasónico por unos 700 euros) o un Tamron, de los cuales había dos opciones, el 18-250 sin estabilizar por unos 400 euros y el 18-270 que además tenía estabilizador, pero no enfoque ultrasónico por 510. Después de mucho mirar, la duda estaba entre el sigma y el tamron, y tras mucho mirar, me fui a la tienda a probarlos. Es cierto que el Sigma enfoca un poco más rápido, pero el Tamron costaba 120 euros menos, y no se justificaba en calidad la diferencia de precio, ni mucho menos. Así que opté por este objetivo, que en su focal más corta es casi igual que el Canon que yo tenía, y en su focal más larca es casi igual que el Sigma Tele que tenía. La calidad del resultado es muy alta, siendo su mayor defecto la falta de nitidez en las esquinas de las fotos, algo comprensible dado el brutal rango focal del que hace gala, y siendo esto algo muy técnico que apenas se nota y que si bien podría ser suficiente para estropear una toma, esto solo ocurrirá en las focales más extremas, en un caso de cada mil. El viñeteo es un poco alto, pero muy fácilmente controlable, y la aberración óptica, aunque existe, no es mayor que en mi 17-85. Sorprendentemente, la distorsión es menos aparente que en el Canon. Un poco lento al enfocar, especialmente con poca luz, y en modo video un tanto inadecuado, aunque para esto ya tenemos el 50 de focal fija.

Otra imagen del Tamron 18-270. El grado de zoom es brutal sin cambiar de lente,
y el nivel de detalle es espectacular teniendo en cuenta su recorrido. Tal vez en estudio no de la talla,
pero como todoterreno es envidiable.

Con esto el equipo se queda completo durante un tiempo, siendo mi única adquisición posible el grip de la cámara, que dado su precio no me interesa demasiado, y un objetivo o convertidor que me dejen modificar la apertura del diafragma en el modo de video, algo que ahora no se puede hacer.

Y ya está, eso es todo. A lo largo del texto habéis podido ver algunas imágenes tomadas con el conjunto, ya me diréis si os gustan! Y si os interesa especialmente algo en concreto, que ya se que es todo un poquillo técnico, me lo comentáis y lo vemos con más calma ¿vale? ¡Un abrazo a todos!

Espi y sus mariposas

Las mariposas de mi joven padawan.

Es un ejercicio de cuando estudiaba y que tiene como objetivo potenciar la capacidad de síntesis y de comprensión conceptual a través de bajar el nivel de iconicidad de un motivo. En este caso, al igual que cuando yo estudiaba, el motivo que hemos elegido ha sido un animal, para ser concretos un insecto, una mariposa. El alumno debe, a través de sucesivos pasos, ir bajando el nivel de iconicidad, entendiendo como máximo nivel de iconicidad el motivo original con toda su carga de detalle, y el mínimo nivel de iconicidad, aquella imagen sintética que aun sea capaz de conservar suficiente información como para quedar claro que se trata de la misma imagen. Como condicionantes, es obligatorio que la imagen original sea del animal entero, no una parte de él, y el resultado final, también. La imagen resultante debe estar hecha en blanco y negro, para así trabajar la masa, la línea gráfica y la trama.

Normalmente se pueden obtener unos cinco pasos claros: Un primer nivel de síntesis visual básica (es decir, un dibujo bastante detallado del bicho en cuestión), un segundo nivel en el que se empieza a eliminar información innecesaria, como pelos, texturas, uñas, etc. En el tercer nivel, ya se pasa de una ilustración más o menos realista, a un nivel de síntesis moderado. Este tercer nivel a veces se extiende y se convierte en el cuarto y en el quinto, o da lugar a una profunda fase de investigación de la que salen varias líneas gráficas. Y luego el último paso, consiste en convertir esos últimos resultados en una ilustración bien hecha y definitva, con todo perfectamente acabadito.

El ejercicio de Espi fue correcto, con un resultado bastante bueno. Falló la fase de documentación, al no encontrar una imagen que enfatizase los valores más típicos de una mariposa, esto es, además de las alas, la textura interior, etc. Luego avanzó bien, pero la tercera fase fue muy escueta, y el primer resultado que encontró fué el que siguió. Esto resultó muy limitante, y el resultado final peca de heredar las limitaciones encontradas en esta fase. No es un mal resultado final, pero es muy duro y agresivo, en lugar de enfatizar valores más relacionados con delicadeza, etc.

Pero bueno, para ser la primera vez está muy bien. Ahora veremos qué tal resuelve el segundo proyecto, con un animal nuevo. Ya os lo iré contando, un abrazo!

Una contribución a la humanidad

Título: Nenúfares
Año: 2009
Soporte: Fotografía Digital

Aquí tenéis un regalito para empezar el día, es un fondo de escritorio, tamaño 1680x1050. Son flores de loto, la foto está hecha en Córdoba, en Mayo. Para descargarlo, tenéis que pinchar encima de la foto, y cuando se os abra a pantalla completa, hacéis click con el botón derecho, y en el menú emergente, pincháis en "Guardar como". Luego la ponéis como fondo de escritorio y ya está. Si tenéis mac o linux, os buscáis la vida :D y si no os aclaráis me lo decís y os digo cómo hacerlo. Un abrazo!

Cubo 3D

Este es un trabao que hicimos hace un tiempo, y me pareció muy bonito para enseñarlo aquí. Existe una tecnología que, dado un cubo de cristal (no se si es cristal o una especie de polipropileno, o algo así) es capaz de "tallarlo por dentro" de forma que incrusta dentro una especie de objeto tridimensional. No se cómo funciona exactamente, pero supongo que con un laser calibrado a unas frecuencias concretas van quemando un poco el interior de forma que cambia la textura de transparente, a opaco, en puntos determinados por las coordenadas X, Y y Z. De esta forma, les puedes mandar un archivo en formato 3D (por ejemplo 3Ds o CAD) y ellos convierten el archivo en este tipo de resultados.

Además el proyecto tenía un punto interesante, que era el de hacer una interpretación tridimensional a partir de un logotipo bidimensional. La verdad es que el resultado, así como el proceso, me pareció super bonito y super creativo, y el resultado me pareció asombroso. Y eso sin contar con el potencial que tiene la tecnología, y en especial la nueva tecnología de "impresoras 3d", que si bien están muy lejos de convertir un objeto 3d complejo, con texturas, etc, sí que empiezan a ofrecer resultados realmente sorprendentes.

En las imágenes tenéis el original en 3D Studio, y el resultado final en fotografía.

Bueno, pues lo dicho, espero que os guste. ¡Un abrazo a todos y a todas!

El "Estilo Suizo" en Diseño Gráfico

Cada vez me gusta más la "Smashing Magazine". Habla con una sencillez y un criterio que demuestran que tienen una base y unos conocimientos realmente sólidos. Hoy he estado leyendo este artículo sobre el "Estilo Suizo", y ¡qué buenos recuerdos me ha traído de cuando estudiaba!

Los profesores de la vieja escuela están ciertamente obsesionados con este estilo, que marcó todas las bases que actualmente siguen igual de vigentes. No obstante, los diseñadores de nueva escuela, nos tenemos que replantear y cuestionar estas bases, respetándolas por supuesto, y por supuesto asumiéndolas, pero entendiendo que el diseño gráfico, como comunicación visual, es un reflejo del día a día, y por esta razón debemos estar atentos a nuevos estilos o nuevas formas de comunicación visual, para asumirlos en nuestro discurso gráfico.

Eso no quita de que cuando vemos trabajos de "los maestros" no sigamos quedándonos boquiabiertos de la calidad y originalidad que tienen.

Como bien explica el artículo, el "estilo suizo", también conocido como movimiento moderno, tiene sus orígenes en los años 20, y se extendió rápidamente por toda Europa, especialmente por Alemania con la escuela de la Bauhaus y la teoría de la Forma. En los años 50 el estilo definitivamente se internacionalizó y sentó las bases del diseño moderno. Como bien apunta el artículo, algunas de las bases visuales del paradigma suizo podrían ser las siguientes:

· Uniformidad y Geometría
· Espacios Blancos: Que el texto respire
· Sistemas de Rejillas (para maquetar)
· Estructuración de la información
· Minimalismo
· Tipografías sin serifas
· Tipografía como elemento de organización, lectura, ritmo e impacto
· La fotografía como parte, y no como aparte

No hay que olvidar no obstante que esta forma de entender el diseño no surge por casualidad, sino que responde a una serie de necesidades y cambios sociales:

a) Los cambios en el arte y en la arquitectura, con la aparición del arte geométrico, el constructivismo, el art decó, etc.
b) La revolución industrial y los cambios tecnológicos en los sistemas de producción, sobre todo en el campo de las artes gráficas.
c) Los cambios sociales y políticos de la primera mitad del siglo XX, con la migración a la ciudad, la estratificación social y el nacimiento de la propaganda, que demandaban sistemas visuales sencillos y eficaces.
d) La investigación sobre la visión y la psicología visual.

Estas necesidades y cambios sociales, tan válidos durante la primera mitad del siglo XX, han cambiado y evolucionado, y hoy por hoy o bien ya están completamente superados, como por ejemplo en lo tecnológico o lo artístico, o ya no son eficaces por ser completamente reiterativos.

Por no ahondar más en este tema, os animo a que leáis el artículo, aunque está en inglés, pero bueno, más o menos os haréis una idea. ¡Espero que os parezca interesante!
Para poner punto final, la frase de Van der Rohe: Menos es más.

¡Un abrazo a todos y a todas!

10 errores habituales en el diseño de logotipos

"No utilices demasiadas fuentes tipográficas diferentes en tú logo"

Visto en Smashing Magazine, un artículo divertido sobre 10 errores habituales a la hora de diseñar un logotipo. Al principio me pareció una chorradilla, pero luego viendo a mí alumna/ayudanta/aprendiz haciendo un logo, me di cuenta de que hay personas a quien les puede resultar útil.
Aquí os dejo las traducciones:

10 errores típicos en el diseño de logotipos:

1. Que tú logotipo no parezca diseñado por un aficionado
2. Huye de las tendencias y de las modas (algún diseñadorcillo que yo me conozco debería aprenderse esto de memoria)
3. Utilizar gráficos vectoriales
4. Que no contenga "Stock Art" (vamos, que no cojas la imagen por ahí y la pongas en tú logo)
5. Diseña para tí mismo además de para tú cliente.
6. Ojo con la excesiva complejidad visual.
7. Cuidado con el color, sobre todo al convertir el logo a escala de grises.
8. Cuidado con elegir mal las fuentes tipográficas.
9. Que no tenga demasiadas fuentes tipográficas.
10. Ojo con copiar a otros.

Yo añadiría otros habituales, como pueden ser no utilizar más de dos o tres colores diferentes, no utilizar jamás degradados o tener especial cuidado con las malas interpretaciones que se puedan hacer de tú logotipo, pero eso ya lo dejamos para otro día. ¡Espero que os sea útil!

Reconocedor tipográfico

Hoy empezamos el día con una herramienta BRUTAL que no conocía pero que es de esas que te facilitan la vida enormemente. Se trata de "Myfonts WhatsTheFont" un reconocedor tipográfico. Tú importas una imagen con una tipografía que no reconoces, no es algo habitual, pero hay millones y es difícil conocerlas todas, el programa lo analiza, y te ofrece resultados con tipografías similares, si no la misma exactamente. A mí me ha salvado la vida, porque tenía que rehacer un logotipo, y gracias a esto, voy a poder terminar en mucho menos tiempo. ¡Aquí os la dejo para que la probéis!

Día a día de un director de arte (4)

"Pásame los Artes Finales de la página, el faldón y el Rompepáginas"
Cliente, confundiendo el formato "Robapágina" con un artefacto de destrucción.

Nota: Se que algunos posts como este se parecen mucho al fantástico blog "palabras textuales" pero francamente, ¡me sirven como desahogo!

Imágenes Surrealistas en Smashing Magazine

Unas imágenes espectaculares para relajarnos un poco ahora que se acaba la semana. En la imagen, "Mothman", de PanZerkorps. Visto en Smashing Magazine, una pasada de sitio web de lo más estimulante. ¡Espero que os guste!

Día a día de un director de arte (3)

"Pásame el jpg vectorial por favor"
...

Día a día de un director de arte (2): Las imágenes por capas

Hoy me las he tenido que ver y pelear con la imagen con más capas que he visto hasta el momento. Un retoque hecho por un supuesto super pofesional, elaboradísiisisisisisma, con cuarenta o cincuenta capas (!?!?!?!?!?). La mayor parte de ellas servían para corregir una y otra vez la capa anterior. Modificar una imagen así resulta un verdadero dolor de cabeza. ¡Pero lo mejor de todo, es que al final, tampoco era ninguna maravilla! El gusto por el detalle era exquisito, faltaría más, ¡pero la imagen como conjunto presentaba unas incoherencias terribles! Lógicamente no voy a mostrar la imagen, pues el cliente podría asustarse, me limito a señalar una realidad habitual en mi trabajo, y es que el árbol normalmente no deja ver el bosque. ¡Photoshoperos al poder!

ColorRotate

ColorRotate es una forma curiosa de crear combinaciones de colores, basándose en tono, saturación y luminosidad, pero visto de una forma tridimensional que puede resultar muy gráfica, y muy útil para personas que necesiten crear mezclas de color y que no tengan mucha experiencia. Se me ocurre como ejemplo algún hipotético pintor novel que intente pintar alegres gatos, y le salgan gatos infernales :D

(visto en Microsiervos)

50 posters de películas

Acabo de ver esta página web en Microsiervos, y aquí os la pongo para que le echéis un vistazo si gustáis. El diseño de la "imagen corporativa" de una película es algo que me apasiona, tal vez incluso sea el campo del diseño gráfico que más me gusta, o casi. Y además debo decir que he tenido la suerte de hacer muchas carátulas, algunas mejores, otras peores, pero en todas reconozco que es un trabajo que me encanta. Y la selección de posters que recoge esta página es buenísima, aunque el criterio de selección ha sido el uso de las herramientas y no tanto el diseño o la calidad artística. No es la mejor, ni mucho menos, pero todos los posters son muy buenos. Me encantaría poder trabajar alguna vez con los márgenes de tiempo y sobre todo de presupuesto que se manejan para este tipo de proyectos. Algunos me parecen realmente brillantes, como el del Señor de la Guerra, o por ejemplo el de Wall-E. Francamente bonitos, y una forma refrescante de empezar el día. ¿Por qué no me decís en los comentarios cuales son los que más os gustan? ¡Un abrazo a todos, y espero que os gusten!

Puertas: 6

Título: Línea
Soporte: Fotografía Digital
Año: 2007

Hacía tiempo que no subía ninguna fotografía, porque no acabo de encontrar tiempo para dedicarle al blog, entre tantas cosas que ando haciendo. Durante los últimos dos años he seguido desarrollando el proyecto de fotografía de puertas, y he seguido descubriendo composiciones muy sugerentes. Arte encontrado frente a creado, pero, al discriminar una imagen frente a todas las que percibimos, ¿no estamos precisamente creando dicha imagen? Una reflexión interesante para una tarde aburrida, ¡espero que os guste la imagen!

Cruz de Hierro

Título: Cruz de Hierro
Soporte: Digital
Año: 2008

Cuando me encargaron hacer una ilustración de una cruz de hierro con una calavera me hizo bastante poca gracia. Era para un compañero aficionado a hacer tunning en su moto, y lo quería para los cuentakilómetros. Yo sabía que la cruz de hierro es una distinción honorífica del ejército alemán, y que se asociaba directamente con la alemania nazi. Es bien cierto que originalmente estaba más asociada a la orden de los caballeros teutónicos y que su historia, como la de todo símbolo, va mucho más allá de las simples asociaciones políticas de nuestra era. Pero en la actualidad su carácter icónico está muy asociado al mundo nazi, en aquellos casos en que la esvástica no se puede utilizar. Personalmente hay temas que no me gusta tocar,por ir en contra de mi ideología, y la exaltación de la simbología nazi es uno de ellos. Por todas esas razones pensé que mi compañero o bien no sabía el significado de la simbología, o peor aun, sí la conocía. Y al final resulta que no era ni una cosa ni otra.

Según me contó mi compañero, de nombre Miguel por cierto, tipo peculiar donde los haya, los americanos destinados a alemania durante la segunda guerra mundial, colgaban las cruces (distinciones honoríficas) de los enemigos caídos en sus motos, y así con el tiempo la cruz de hierro se convirtió en símbolo de moteros, por eso está tan relacionada la imagen de las chopper, con la de la cruz de hierro. Investigando por internet encontré que se habla más bien de la cruz de malta, y su significado de bienaventuranza, etc. Las dos cruces son similares, excepto en detalles como la curvatura de las palas, y otros factores que seguro que son de una gran importancia para un experto en simbología, pero que no vienen a cuento aquí. Los símbolos admiten tantas lecturas dependiendo de la cultura que los utilice, que parece demasiado vago atreverse a aventurar un significado exacto. Pero sí se puede sacar la conclusión de que, entre la forma en que utilizan los moteros el símbolo de la cruz, y el aspecto político que tanto rechazo me produce, no existe ninguna asociación.

En la ilustración busqué crear un caracter muy agresivo, más cercano a la imaginería del metal, pero mezclándolo con una ilustración muy gestual. Por otra parte busqué "ensuciar" la imagen en la línea del diseño postindustrial. Creo que el resultado es bastante interesante, aunque poco tiene que ver con lo que hago habitualmente. ¡Espero que os guste!

¿Qué será ésto?

Título: ¿Qué será ésto?
Soporte: Medio Digital
Año: 2008

Un día estaba yo tan tranquilo procrastinando, cuando encontré algo de información sobre máquinas de vapor. Investigando un poco encontré toda una serie de imágenes que trabajaban sobre el concepto de las máquinas de vapor aplicadas a máquinas modernas, que se suele llamar "Steampunk". Uno de los mejores ejemplos es la película "Steamboy" de Katsuhiro Otomo. Mientras que lo miraba, iba gestando una idea de ilustración, y ahí fue cuando surgieron los primeros bocetos de "Qué será ésto...". Al principio no sabía muy bien qué hacer, ni cómo hacerlo, salvo que quería un bicho metálico, y una flor. Hacía tiempo que le daba vueltas a la idea de currarme una ilustración sólo con medios digitales, tableta gráfica en mano, con illustrator y photoshop. Durante un tiempo estuve haciendo bocetos e historias, y poco a poco definí las formas del insecto. Illustrator es un programa extremadamente potente, pero tiene fuertes carencias a la hora de aplicar el color, así que exporté la ilustración a Photoshop, donde creé el fondo y pinté el conjunto. Como quien no quiere la cosa el tema se alargó en el tiempo y me tuvo entretenido unas cuantas semanas, pero creo que el resultado merece la pena.

Quiero agradecer por cierto a Morán sus palabras que me hicieron sentir muy orgulloso de mi trabajo cuando le enseñé la ilustración completa, así como a Laura que fue revisándola fase por fase. Creo que la imagen es lo bastante clara como para no necesitar explicación, así que no me enrollo más y os dejo que la disfrutéis. Por cierto, incluyo un pequeño video del "cómo se hizo" (podéis pinchar aquí si lo queréis ver más grande). ¡Espero que os guste!

Ricardo Salamanca-Salamágica

En este enlace podéis entrar en el portfolio de Ricardo Salamanca-Salamágica, artista que trabaja principalmente con montaje fotográfico y publicidad, y cuyo resultado me parece francamente interesante. La página me la ha mandado mi amigo Josito, e incluyo uno de los trabajos que aparecen en la misma, porque como muestra un botón. Espero que os guste, porque a mí me ha parecido fantástico!

Digital Pixels: Fotografía Digital

Digital Pixels es una página web dedicada a técnica fotográfica, especilizada en fotografía digital. Son muy interesantes algunas secciones como la de iluminación flashes, o la de retoque con Photoshop. Está en inglés, pero realmente es muy completa, muy recomendable. ¡Un abrazo a todos!