Lego Matrix Trinity Help

Un video genial con doble, o triple homenaje: A EXIN Castillos TM (este un poco lejano) al cine y a Matrix, una de las películas más importantes de finales del siglo pasado...

Fractales

No me he podido resistir a subir esta imagen, que encontré navegando desde un enlace de Microsiervos. Los fractales son una fuente inagotable de imágenes bellísimas, y esta, encontrada en Skytopia, me pareció perfecta para empezar la semana. Concretamente está basada en el conjunto de Mandelbrot. Uno de los elementos más comunes que hacen que una imagen sea reconocida como "bella" por un ser humano, es la simetría, y la repetición de elementos, que es la principal caracterísitca de las imágenes fractales. Espero que os guste, y que paséis una buena semana!

faustoArt Cinema: 2012 (2009)

AVISO: Esta crítica contiene SPOILERS. Está dirigida a personas que hayan visto la película, o a personas que sienten interés por ella y no les importe que el argumento les sea revelado, dado que la intención de la misma es realizar un análisis de sus puntos clave, y sería imposible hacerlo si no se puede aludir directamente a alguna escena o situación concreta)

2012 (2009)

Bienvenidos al fin del mundo

Por fin han estrenado una de las películas que más ganas tenía de ver. Hablo de "2012", de Roland Emerich, director obsesionado con el fin del mundo y el apocalipsis, y director de películas como "El Día de Mañana", "Independence Day", o la horripilante "10.000 B.C".

Estaba deseando verla, porque las imágenes que aparecían en los sucesivos trailers que han ido apareciendo eran simplemten apabullantes, y claro, a mí, coleccionista de experiencias audiovisuales, se me hacía la boca agua solo de imaginar hasta donde habría sido capaz Emmerich de llegar.

Y señores, debo decirlo, y en voz muy alta. Bajo mi punto de vista, en "2012" se pueden encontrar algunas de las imágenes más extraordinarias que jamás he visto en mi vida en una película. Así de claro, así de crudo. Ver esta película en pantalla grande, es asistir a un espectáculo que prácticamente pone al límite toda la tecnología audiovisual que existe hoy por hoy en lo que tiene que ver con el cine. En determinados momentos da una verdadera sensación de vértigo, y de que ya no se puede ir mucho más allá en cuanto a lo que se puede enseñar en una pantalla. Y creo que con esto lo digo todo.

Pero bueno, lógicamente hay mucho más que decir, así que vayamos por partes.

La ciudad de Los Ángeles hundiéndose en el mar.

2012 es una película de desastres, en el sentido más literal de la palabra, y por lo tanto es heredera de la misma fórmula que ya viéramos en las antiguas "El Coloso en Llamas", "Terremoto", etc. O en la nueva escuela, "Un pueblo llamado Dante's Peak", "Twister", "Deep Impact", o la película del mismo director "El Día de Mañana". El título de la película hace alusión a una fecha que parece ser que aparece en el calendario maya (he leído por ahí que esto no es del todo correcto) en la que se propone la fecha del 21-12-2012 como fecha del fin del mundo. Por lo tanto, parece que el título sugiere un componente religioso en la película. Debo decir (aviso de nuevo de los spoilers, luego no se me queje la audiencia) que la película poco o nada tiene que ver con el mensaje apocalíptico, que se pierde casi totalmente, y al que solo se menciona en una muy breve secuencia. El hilo conductor de la película es mucho más prosaico, y gira en torno a unas erupciones en la superficie solar. El argumento principal es sólido, hablando siempre desde el punto de vista de una persona cuyos conocimientos de astrofísica son poco menos que nulos. Estas erupciones afectan a la tierra, y a su corteza terrestre, que empieza a cambiar de forma súbita. Probablemente si nos ponemos a investigar desde una perspectiva científica, encontremos grandísimas carencias, pero no creo que el objetivo de la película sea realizar un tratado sobre el tema.

De esta forma, el hilo conductor queda desplazado a un segundo término, y la atención de la película se centra en dos personajes, por un lado un escritor con problemas familiares, y por otro uno de los asesores del presidente. Y es a través de la mirada de estos personajes, que el director nos va guiando a través de una sucesión de escenas impactantes, centrándose la atención en el drama humano, todo muy melodramático y americano.

La verdad es que ya conocíamos este esquema, pues es el mismo de películas como Deep Impact, por poner un ejemplo. Desde un punto de vista estrictamente personal, me gustaría que se centrase más la atención en la parte científica, o en la parte práctica, pero dado que se trata de una superproducción hollywodiense, no sería una buena idea limitar la audiencia a un sector mínimo de la audiencia potencial, y por eso se busca ver la situación desde el punto de vista "más pequeño", centrándose por lo tanto en una familia de clase media americana, con la madre, el padre, el novio de la madre y....

Si señores, y los niños.

La cordillera del Himalaya, hinundándose

El mayor problema de la película, para mí gusto, es que el dramatismo se pierde en una sucesión de gags y situaciones que rompen la "suspensión de la incredulidad". Es bien cierto que la potencia de las imágenes te mete en faena de nuevo en un momento, pero un desarrollo absolutamente predecible y lineal con unos personajes tan planos que dan entre pena y asco, te sacan contínuamente de la "salsa". Bajo mi punto de vista es una pena, porque la película tenía potencial para ser una verdadera obra maestra, pero esta perspectiva tan extremadamente vulgar la hace bajar al mundo de lo mundano, y ni siquiera su puesta en escena es capaz de paliar este enorme defecto.

Pero más allá de sus defectos están sus virtudes, y estas son, como ya he dicho, su puesta en escena, que la hace estar entre las películas más espectaculares a nivel audiovisual de toda la historia del cine. El nivel de perfección visual es altísimo, y en un porcentaje elevadísimo de las ocasiones nos olvidamos por completo de que se trata de imágenes sintéticas generadas por ordenador, así de alto es el nivel de fotorrealismo de las imágenes. Terremotos, fallas, explosiones, tsunamis... Un ir y venir que sirve de claro homenaje a toda la historia del subgénero del cine de desastres, con escenas que nos aluden a situaciones concretas de algunas películas inolvidables, como Poseidón, o Volcano.

El sonido está a la altura de las circunstancias, y nos encontramos con un dinamismo espectacular, que hará temblar el cine de arriba abajo, así que si podéis ir a un cine con un sistema de sonido muy potente, no dejéis de hacerlo, llegará a revolveros el estómago, lo aseguro. La música, de Harald Kloser, acompaña pero sin destacar, sabiendo transmitir las emociones adecuadas en los momentos necesarios.

Como podéis ver la cosa tampoco es que de mucho más de si. Podríamos resumirlo como una película americana mediocre, pero que cuenta con algunas de las imágenes más potentes que jamás se han visto en el cine. He de reconocer, para mi alegría, que la película no tiene momentos tan patéticos o ridículos como en otras producciones de Emmerich, y serán muy pocos los momentos en que nos hará sentir vergüenza ajena (estoy convencido de que lo hace adrede, y que se regodea haciéndolo). Si queréis saber mi opinión más personal, os diré que no dejéis de verla, pues las sensaciones que os va a transmitir, yo no recuerdo haberlas tenido con ninguna otra producción. Si no os va este tipo de cine, os gusta el cine más serio, o más preocupado por no caer en incongruencias, os recomiendo que la obviéis y vayáis a ver otra cosa, pero si queréis ver como se parte el vaticano a la mitad.... Bueno, creo que con eso lo he dicho todo ;D

Suspensión de Incredulidad

Reflexionaba yo sobre el concepto de Suspensión de Incredulidad.

Se trata de un término que conocí hace poco navegando por ahí. Acuñado en el siglo XIX, se trata de un concepto asociado al mundo de la narrativa, y que hace que una persona pueda, durante el tiempo que está leyendo un libro, o viendo una película, “creerse” lo que está pasando. De esta forma, por ejemplo, en un cuento de hadas, nos parece lo más normal del mundo que haya hadas, o en una película de acción, nos parece de lo más corriente que un tiranosaurio persiga a unos pobres campistas. ¿Por qué ocurre esto? Porque el ser humano tiene la capacidad de, dado un conjunto de reglas, asumir como lógicos los procesos que no se las saltan. Se trata de un concepto bastante obv io, y sin embargo genial, dado que es gracias a esta capacidad que pueden existir no ya solo complejos mundos dentro del entorno de la narrativa, sino posiblemente nuestra capacidad para entender el mundo que tenemos a nuestro alrededor también dependa en cierta medida de esta capacidad, que no deja de ser otra forma de llamar a la capacidad de abstracción.

El ser humano es capaz, en el mundo narrativo, de, dado
un conjunto de reglas coherente, aceptar como válidos
los hechos que no se salgan de dicho conjunto. Un buen ejemplo de ello
es Alicia en Pais de las Maravillas, de Carroll.

Curioso es el caso del concepto que realmente me llamaba a mí la atención, que es la Suspensión de la Suspensión de Incredulidad. Es un concepto que me llama la atención especialmente dentro de la literatura y del cine. ¿En qué consiste? pues como su propio nombre indica, es una situación que se da cuando, por una u otra razón, esa Suspensión de Incredulidad se ve interrumpida, normalmente por un hecho dentro de la narrativa que se salta las “reglas del juego”.

Normalmente es el narrador el que puede cometer errores en su propio mundo lógico, y ahí es donde reside la genialidad de los grandes narradores, en que pueden crear mundos extremadamente complejos y que aun así son perfectamente coherentes consigo mismos. Un buen ejemplo es Hyperion, el libro de ciencia ficción, o mismamente el Señor de los Anillos, donde la coherencia del conjunto, pese a ser literatura fantástica, es absolutamente perfecto. Otro buen ejemplo, más conocido, es el de Alicia en el Pais de las Maravillas, que pese a ser un libro dadaista, cumple perfectamente sus propias y bizarras reglas. Es pues la alteración de las reglas del juego que el propio narrador crea lo que estropea la magia y se carga la Suspensión de Incredulidad.

Se trata pues de un concepto que resulta de vital importancia dentro del mundo de la narrativa, pues una frase (algún personaje que diga “vaya guay que es esto” en un libro de la edad media) o un detalle mal puesto en una película (digamos un reloj de oro en una película de romanos, por ejemplo) puede dar al traste con un esfuerzo y un trabajo de gran envergadura.

Pero es que además del narrador (en este caso el emisor) y de la obra en sí misma (el mensaje) debemos tener en cuenta también al receptor.

Y es que aquí es donde aparece uno de los mayores problemas cuando planteamos una narración.

Hablaba yo con Buda de una escena de la película de próxima aparición “2012”, del incombustible (por desgracia) Roland Emerich, padre de algunas de las mayores patochadas de la historia del cine.

Y es que en la escena, unos pobres desgraciados, ante una avalancha de desgracias que empiezan a ocurrir en su ciudad (creo que la peli va del fin del mundo, así que háganse una idea) cogen su coche, y empiezan a huir de una falla que les persigue, justo a unos metros por detrás de ellos, hasta llegar a un avión, que despega segundos antes de que se hunda el aeropuerto entero, y como no lo han pasado lo suficientemente mal, deciden que la mejor ruta de escape es por el centro de la ciudad, donde los edificios se están cayendo. Claro que es mucho más emocionante pasar por debajo, así que allá van nuestros protagonistas, volando por en medio de una avalancha de escombros. Lógicamente Buda se quejaba de que él eso no se lo creía, y es que aquí tenemos un ejemplo perfecto de una Suspensión de la Suspensión de la Íncredulidad. Sin embargo, yo le explicaba a Buda que a mí me daba exactamente igual que la escena no fuera coherente, porque me parecía muy espectacular.

2012, la película que abrió el debate y la Caja de Pandora.
Un fotorealismo visual no impide que su propuesta totalmente incoherente
arruine la ilusión, de forma que el espectáculo se convierte en bochorno.

Podemos observar pues que, en el extremo del receptor, se da una subjetividad tremenda, que depende completamente del espectador.

Recordaba yo que cuando leí “Los Pilares de la Tierra”, me pareció un libro poco menos que ridículo, pues era totalmente incoherente con la historia, la arquitectura y el arte. No totalmente incoherente, pero tenía cosas que chirriaban completamente, razón por la cual a mí el libro no me gustó lo más mínimo. Sin embargo conozco mucha gente a la que el libro le encantó, y se quedaron con la sensación de que habían aprendido mucho y que el libro era una pasada. Lo mismo ocurrió con el Código Da Vinci, libro con el cual me reí muchísimo, y que sin embargo muchísima gente se creyó como si se tratase de una biblia.

Observo por lo tanto que la experiencia personal y sobre todo la amplitud de los conocimientos en determinadas áreas deben ser tenidas en cuenta por parte del narrador a la hora de elegir su público objetivo. Aunque cae de cajón, si yo me pongo a escribir un libro en clave narrativa en la que la clave está en la forma de entender la física, por poner un ejemplo, la probabilidad más alta es que cuando lo lea un físico, o una persona con amplios conocimientos sobre tel tema,se eche a reir, o peor aun, se cabree, no se qué es pero. Sin embargo, también puede ser que ese mismo libro impresione muchísimo a un amplio sector de público, que probablemente sea el que relamente le interesa al narrador.

También creo que, independientemente de los conocimientos que tengamos en un campo o en otro, existen mayores grados de capacidad de Suspender la Incredulidad. Yo he conocido personas que solo pueden ver películas, o leer libros, de cosas super reales, con unas reglas que son exactamente las mismas que en el mundo real, porque les resulta imposible conseguir esa Suspensión de la Realidad. Y otras que tienen una pregnancia bestial a asimilar esas reglas, y que enseguida entran en estado de Suspensión de Incredulidad. No se qué nombre darle a esta capacidad, que obviamente tiene numerosos niveles, tal vez capacidad de fantasía.

Yo tengo un grado de pregnancia muy alto a la Suspensión de Incredulidad, y tengo una capacidad intrínseca para obviar cualquier detalle que me hace salirme de esa magia, sin embargo a veces el grado de tontería que alcanzan determinadas obras roza el insulto al buen gusto, y en esos momentos resulta del todo imposible no salirse de la magia. Y sin embargo me queda la duda, de si alguien pudo creérselo y hacer que de esa situación surgiese algo que les hiciese soñar. Porque al fin y al cabo la narrativa es eso, es hacer soñar al interlocutor, hacerle vivir durante un rato un sueño.

La conclusión de mi reflexión es que no existen valores absolutos, y que a la hora de criticar una película, o una obra narrativa, si se pretende hacerlo con una mínima seriedad, debemos tener en cuenta siempre cual es su público objetivo, e intentar ponernos en su lugar, dado que si intentamos analizar una obra desde un punto de vista subjetivo, entre otros errores que cometeremos, caeremos siempre en el error de juzgar la capacidad que tiene la película de crear ese estado de Suspensión de Incredulidad, tanto a favor como en contra, de ahí que la forma correcta de actuar sea siempre la de intentar predecir cual será la reacción de su público objetivo. Eso no quita, lógicamente, que podamos criticar los errores obvios dentro del sistema de reglas planteado (lo del reloj de oro, vamos) o que, más obviamente aun, podamos tener nuestro punto de vista personal, y ante unos tíos que son tan inútiles de meter un avión en medio de un edificio que se está cayendo a trozos, podamos simplemente decir, “yo esto no me lo creo, y punto”.

Workshop de Iluminación de Estudio y fotografía de Moda

Bueno, por fin tengo un rato para ponerme a escribir un poco.

El acontecimiento más interesante de cara a reflejarlo en el blog, es mi asistencia al workshop de iluminación de estudio y fotografía de modelos, al que tuve la ocasión de asistir la semana pasada.

Impartido por el fotógrafo de moda Pere Larrégula (en la foto de la izquierda, con una carta de gris neutro), un barcelonés de acento muy divertido, el curso estaba organizado por canonistas.com, que es una página web de aficionados a las cámaras de Canon, entre los que me encuentro. Surgió la oportunidad, y mira, fuí de cabeza para allá.

Los contenidos teóricos que trabajamos fueron el trabajo con modelos, los parámetros más importantes en una cámara réflex en lo que tiene que ver con fotografía de modelos, y la forma en la que debe ser trabajada la iluminación en un estudio de fotografía.

En esta fotografía, Lena está iluminada

con un esquema clásico de fotografía de moda,

un foco frontal con softbox, y dos focos, uno de

tres cuartos y otro lateral.

El primer día dimos la clase teórica, en un sitio que se llama “Aula Center”, que está en la zona de Rubén Darío. En la clase estuvimos viendo algunos conceptos teóricos. Me sorprendió la complejidad de los mismos, que en muchos momentos parecían más una clase de matemáticas que otra cosa. Aprendimos cómo medir la cantidad de luz, enfatizando especialmente en la “Ley inversa del cuadrado de las distancias”, cuya función aplicada a la fotografía consiste en saber calcular cual es la caida de la luz, dada una fuente. También estuvimos estudiando la configuración de la cámara más adecuada en estudio. Normalmente se tira a 1/200, dado que la luz de los flashes es suficiente para congelar la imagen, con lo que no es necesario disparar más deprisa. El número f más adecuado, dependiendo del objetivo, que suele rondar el f9, dado que menos número f implica viñeteo y una profunidad de campo demasiado pequeña, y un número f demasiado alto, hace que la luz rebote dentro del objetivo y cree aberraciones lumínicas. Hablando de la profundidad de campo, estudiamos cómo calcular exactamente la cantidad de motivo enfocado dependiendo de la profundidad de campo, del tipo de cámara, etc. El enfoque preciso es prácticamente lo más importante de cara a que una fotografía sea utilizable, una fotografía con un “foco blando” es directamente inutilizable. El enfoque siempre se hace en los ojos de la modelo, salvo casos especiales, en los que hay que buscar puntos de enfoque neutros.

En esta fotografía, Sara está iluminada con un esquema

de luz "tipo Rembrandt", esto es, un foco a tres cuartos

frontal por su izquierda, y otro a tres cuartos trasero

por su derecha, con una relación de 1:4 de potencia.

Podría seguir escribiendo dos horas, o tres, pero vamos, yo creo que más o menos ya véis por donde van los tiros. El resto de la clase teórica la dedicamos a ver diferentes esquemas de iluminación y a ver diferentes tipos de bombillas. Y terminamos estudiando cómo hablar con una modelo, como trabajar para ganarte su confianza, y cómo formular un contrato que nos autorice a utilizar las imágenes obtenidas. Realmente muy completo, y claro, salimos todos asustados, porque al día siguiente nos íbamos a morir de la comlejidad.

Al día siguiente fuímos todos para el barrio de La Latina, al ladito de Puerta de Toledo, y en la parte de atrás de Fotocasión, una de las mejores tiendas de fotografía de Madrid. Al poco rato entramos en el estudio, era un poco feucho, pero muy amplio. Habían montado un pequeño set, con un plástico mate blanco que caía desde el techo y llegaba al suelo, no doblado en ángulo recto, sino con una curvatura que haría que el horizonte desapareciera una vez hiciéramos la foto.

Existen dos tipos de iluminación (básicamente) en fotografía, la que da luz de forma constante, y la que da luz de golpe. En cine se suele utilizar la primera, pero en fotografía normalmente se utiliza la segunda, que es capaz de dar una cantidad brutal de luz (de miles de vatios) durante un periodo de tiempo muy corto. Nosotros trabajamos con luces de tipo flash, que sincronizaban a 1/200 de segundo con el obturador de la cámara. Es muy difícil trabajar con luz que no ves, y para poder hacerte una idea de cómo va a ser más o menos la iluminación, se utiliza una luz que se llama de modelado, que no es más que un foco de tungsteno que te orienta de cómo va a ser más o menos la luz.

Aparecen entonces dos problemas. El primero es medir la cantidad de luz que da cada uno de los focos, así como calcular la pérdida de luz (por ejemplo entre el objeto y el fondo) y calcular también las zonas en las que luz se solapa (en estas zonas hay más luz). No solo esto, sino que además hay que calcular una temperatura del color adecuada, dado que la luz de tungsteno es diferente a la luz de los flashes.

Se siguen entonces los siguientes pasos. Lo primero que se hace es elegir el esquema que vas a utilizar. Nosotros, por ejemplo, empezamos probando un esquema de luz muy sencillo, que consistía en un foco orientado en tres cuartos, y un foco esclavo lateral, con un ratio de luz 1:4.

Una vez elegido el esquema, con el fotómetro (que en la clase teórica aprendimos a utilizar y que es una herramienta indispensable en este tipo de fotografía) hacíamos una medición de la luz, y pasábamos los parámetros a la cámara. Evidentemente, movíamos los flashes adelante y atrás hasta encontrar el resultado deseado, en el que la modelo y el fondo estaban razonablemente bien iluminados. Una vez hecho esto, hacíamos una foto a un compañero que sostenía una carta de gris neutro (es decir, un gris del 18%) que sirve para calibrar la luz con una precisión alta. Normalmente los flashes dan una luz de 5.300 kelvin poco más o menos. Una vez preparado todo, y con la cámara bien cogida (tiene tela el asunto, además, en este tipo de foto hay tanta luz que no hace falta el trípode para nada, con lo que te puedes mover como quieras para encontrar los mejores ángulos) entraba en escena la modelo. Esta parte es muy divertida, porque tú le tienes que decir lo que quieres que haga, y entra en juego la parte psicológica, ella tiene que estar a gusto y tranquila, sino jamás será capaz de conseguir lo que tú como fotógrafo buscas.

Carina posa con un esquema de iluminación que se compone

de un foco "Beauty" (con una gran campana blanca que dispersa

la luz eliminando imperfecciones), un foco de efectos que le realza

el pelo destacándolo sobre el fondo, y un tercer foco que ilumina el fondo.

A partir de este momento, lo que hicimos fue hacer muchas fotos, y probar diferentes esquemas e iluminación, con luces duras, luces blandas, iluminaciones más frontales, e incluso luces de efecto (se trata de una luz trasera con la que realzas los brillos del pelo, de la ropa, o lo que tú quieras).

Al día siguiente cambiamos de estudio, fuimos a uno que estaba muy cerquita, y que tenía dos zonas de trabajo, una con un fondo negro y un esquema de iluminación similar al del día anterior, y otra zona con un exterior en la que entraba luz de día. En este último esquema de iluminación nos pasamos trabajando casi toda la mañana, con una softbox de dos metros de alto, colocada a 7 metros de la modelo, los resultados resultaron espectaculares.

En resumen, el curso fué complejo y de un nivel técnico que para mí fué bastante elevado. Conocimos herramientas que normalmente solo suelen utilizar los profesionales, y tuvimos ocasión de probar algunos equipos impresionantes (yo pude probar la “21”, es decir, la Canon EOS 1ds Mark III del profe, con un objetivo 70-200 2.8 estabilizado). Aunque este tipo de fotografía yo la estudié en la universidad, lo hice solo por encima, y nunca había tenido ocasión de profundizar un poco en el tema, así que me quedé realmente encantado con los conocimientos adquiridos. Y como es habitual en este tipo de cursos, también me quedé encantado con toda la gente con la que pude trabajar, todos los compañeros del curso eran unos máquinas, y eran todos majísimos, con lo que además de compartir una pasión que todos teníamos, pudimos hacer contactos y conocer gente que me pareció realmente genial.

Yo creo que Lena acabó un poco harta de tener a 15

personas sacándole fotos como posesas...

Y eso fue todo,. Ahora ya me he apuntado al curso de fotografía de desnudos, y estoy deseando que llegue el día 12 de Diciembre para irme con mi chiquitina (qué triste, mi cámara era la más poca cosa de todas... al menos luego las fotos daban el pego, pero las EOS 5d mark II que había por allí me mataron del todo...) y aprender como iluminar una moza como es debido.

Aquí tenéis la suma de 15 apasionados de la fotografía, un crack

mediático (el profe) y cuatro pedazo de bellezones (las modelos y la maquilladora)

¡Espero que os haya parecido interesante, un abrazo a todos!

Workshop de Fotografía

Aquí os dejo una primera imagen del Workshop de fotografía al que asistí este fin de semana. Mañana más y mejor, espero que os guste!
Por cierto, por si queréis ponerle nombre, se llama Lena...

faustoArt Cinema: Slumdog Millionaire (2008)

AVISO: Esta crítica contiene SPOILERS. Está dirigida a personas que hayan visto la película, o a personas que sienten interés por ella y no les importe que el argumento les sea revelado, dado que la intención de la misma es realizar un análisis de sus puntos clave, y sería imposible hacerlo si no se puede aludir directamente a alguna escena o situación concreta)

Slumdog Millionaire (2008)

"Y por 250.000 rupias, Jammal, la respuesta correcta es..."

Slumdog Millionarie es una película que tenía reservada desde hace tiempo, para poder verla con calma, sin prisas, poder degustarla como quien saborea un buen vino. Durante unos meses he tenido tiempo de oir hablar de ella, de oir críticas tanto buenas como malas, pero nunca ninguna que hablase de ella con indiferencia. Se trata de una película que ha arrasado en la edición de los Oscar de 2009 con 8 estatuillas, y más de 90 premios de todo tipo. Se trata de la película revelación de la temporada, y después de intentar aislarme del ruido mediático, por fin ha llegado el momento de reproducirla y disfrutarla.

Y francamente, todo lo que se ha dicho sobre ella se cumple a la perfección, vamos a ver por qué.

Lo primero que vamos a hacer como siempre es hablar de su director. Danny Boyle es un director que nunca nos deja indiferentes, y lleva años creando verdaderas joyas. Trainspotting, The Beach, Sunshine, o la brillante 28 Días Después, son sólo algunos ejemplos. Los patrones de Boyle se repiten de forma sistemática en sus creaciones, como suele ocurrir con los grandes directores. Ya cuando hablábamos de Heat mencionábamos algunos rasgos de Michael Mann, como ejemplo de lo que estamos diciendo. El caso de Boyle es similar, y en sus películas trabaja siempre con algunas pautas que se repiten y que las convierte en fácilmente reconocibles.

Bajo mi punto de vista, la característica más importante en el cine de Danny Boyle es el cuidado uso del ritmo, muy contemporáneo. La influencia de la cultura del techno es clara, y el ritmo casi siempre es frenético, pero perfectamente estudiado, en una cadencia exquisita de aumentos y disminuciones de ritmo. Para conseguir este efecto, también se apoya en un uso del color muy característico, con tonos muy ácidos, y abundantes colores muy saturados, con predominancia de los tonos cyan y arenas, normalmente con luces quemadas que le dan a todo un aura muy personal. Probablemente el mejor ejemplo de eso sea trainspotting, donde llevó esto al límite, haciendo que el color apareciese como un protagonista más de la película. Siguiendo con el ritmo, otra característica del cine de Boyle es la cuidada selección musical, que al igual que ocurre con Tarantino, dota a la película de una personalidad propia y única. El resto de las facetas las borda, con argumentos arriesgados y controvertidos, una fotografía impresionante, una capacidad increible para sacar actores desconocidos de la manga y hacerlos trabajar como los más grandes, y una insultante capacidad para sorprender y atar al espectador a la silla, de la que no se mueve hasta que la última línea de los créditos ha pasado. Creo que queda bastante claro que soy un fan incondicional del cine de Boyle, así que por aquí poco más se puede decir.

La fotografía es espectacular, y el Tah Mahal

es un escenario mágico que tiene su pequeño papel en le película.

Centrémonos en Slumdog Millionarie.

En un escenario en el cual el cine va perdiendo cada vez más terreno frente a otras formas de ocio, y en el que vivimos una constante crisis de ideas, de repente Danny Boyle se saca de la manga una historia perfecta. Y es que es perfecta porque lo tiene todo. En una India donde la superpoblación y la pobreza atan a la gente, un muchacho, Jammal, se presenta a un concurso de la tele, “Quién quiere ser millonario”. ¡Y sorpresa! ¡El chico es un genio! Y sin despeinarse comienza a contestar todas las preguntas, una detrás de otra, y conoce todas las respuestas correctas.

Y con un trasfondo tan sencillo, nos cuentan la vida de este muchacho, de lo mal que lo pasa en la calle, de cómo tiene que luchar para sobrevivir. Pero con la historia de este muchacho, también nos cuentan la situación de la India, y de una de sus ciudades, Mumbai. Y vemos como ambos crecen, y cómo evolucionan. Y nos sirve de excusa para conocer una India dura, durísima, llena de peligros tan reales como el hambre, como la pobreza, y como las diferencias raciales. Y vemos una India mágica como antes no la habíamos visto, desde dentro. Vemos lo que les gusta, lo que comen, las cosas que les hacen felices. Y todo ello no con una fotografía de National Geographic, sino con una visión contemporánea, nueva, que nos hace sentirnos partícipes de sus ilusiones y de sus miserias, de sus miedos y de sus alegrías. Así que nos vamos con Jammal al Tah Mahall, y al mayor lavadero de toda la India, pero también nos caemos con él a una letrina, y sobrevivimos a un explotador infantil.

Pero con toda la crudeza de la historia, con toda la belleza de los parajes, aún no hemos empezado siquiera, pues la película habla de valores, habla de personas, habla de decisiones, y habla de una universalidad que nos toca a todos, así que todos somos Jammal, todos somos Lamika, y todos somos Salim. Y ni los buenos son buenos ni los malos malos, pero al final todo se mueve huyendo de la pobreza y buscando la felicidad.

Y todo ello lo vemos bailando con la música hindú, con unos deliciosos guiños a Bollywood, y vestidos a la moda hindú, también inmersos en sus ritos, pero también impresionados de cómo la occidentalización y la globalización va dejando apartados en un rincón todos los rasgos de la cultura India más tradicional.

Como podéis ver, se trata de una vorágine de sensaciones, sentimientos, conocimientos y valoraciones, y todo ello además mojándose, denunciando y participando del problema, no solo por revelar la situación real de uno de los países emergentes más potentes del mundo, sino también de forma activa, pues gran parte de la película se rodó en la India, atrayendo con ello la mirada mundial hacia allí, con los beneficios que ello conlleva.

Antes de terminar este comentario, quería hacer una mención especial a la banda sonora, una verdadera joya, que requiere de continuadas y sostenidas escuchas para sacarle todo el jugo a cada una de las piezas, compuestas específicamente para este proyecto, y que sin embargo tienen una riqueza y una vivacidad realmente impresionantes.

Ya lo veis, esta película me ha cautivado muchísimo, se trata de la que para mí es la película del año, y nadie a quien le guste el cine debería perdérsela bajo ningún punto de vista.

Cuando la veáis, espero vuestros comentarios, porque es una de esas películas sobre las cuales apetece hablar. ¡Un abrazo a todos y a todas!

Un abrazo a todos, hasta pronto!

Fotografiando

En faustoArt la fotografía ha ido tomando un papel cada vez más relevante. Mi primera cámara de fotos la tuve siendo un niño, pero la primera vez que la fotografía realmente me llamó la atención fue hace unos 8 o 9 años, cuando estando en segundo año de carrera, me compré mi primera cámara digital. Soy un fanático de lo digital, tener que pagar toneladas de dinero que no tenía en revelar fotos, hacía que la fotografía fuera un imposible para mí. Sin embargo la fotografía digital hizo que por fin pudiera utilizar la herramienta de manera indiscriminada, y ahí fué donde nació mi pasión por la fotografía, que es sin duda una de mis mayores aficiones.

Paralelamente a la adquisición de mi cámara de fotos, mis estudios de Bellas Artes avanzaban a buen ritmo, y si bien a partir de ese año me enfoqué decididamente por el diseño gráfico, el arte y las imágenes siguieron siendo motivo de investigación y estudio por mi parte. Así, aprendíamos a pintar, a ilustrar, a hacer fotografía, a trabajar con escultura y con elementos tridimensionales... Es decir, por un lado aprendíamos a crear imágenes, y por otro a traducir esas imágenes al lenguaje de la comunicación visual, pues eso es el diseño gráfico, comunicación visual.

Con el tiempo me compré mi segunda cámara, y aunque era una compacta, era bastante más seria que la primera, y me permitía un control mucho más manual sobre las fotografías. Tuvo que ser con mi primer trabajo cuando por fin me pude comprar mi primera reflex, digital, por supuesto, hará unos tres años, y apenas un par de meses desde que me he comprado la que tengo actualmente.

Se pueden ver dos conclusiones claras, por un lado, que con mi carrera aprendí a crear imágenes y a utilizar lo visual como un lenguaje. Por otro lado, que la fotografía es una afición que desarrollo desde hace ya unos cuantos años. La conjunción de ambos factores, hacen que a estas alturas ya haya desarrollado unos gustos e intereses muy concretos dentro del mundo de la fotografía.

Ya he publicado más de un post sobre tecnología y sobre técnica fotográfica, y no es esa la intención de este post, sino poner un poco en claro qué me interesa a mí en el mundo de la fotografía, y por qué.

La técnica es imprescindible cuando se trata de fotografías
de trabajo, como la foto documental o la publicidad.

Pues existen muchos perfiles dentro de los fotógrafos. Hay muchas personas que utilizan la cámara por el placer que les produce manejar una cámara. Es muy fácil caer en el onanismo fotográfico, y buscar la fotografía perfecta. Y es que existe un estilo fotográfico que podríamos calificar de metafotografía, pues su interés se queda simplemente en conseguir una exposición, nitidez, granulado y cromatismo perfectos, amén de una composición perfecta, etc. Pero luego aparecen como fotografías vacías, sin vida. Es muy placentero realizar fotografías de este perfil, y abundan en internet. A mí ciertamente me gusta de vez en cuando realizar tomas de este tipo, pues sirven para mejorar la técnica. A partir de este perfil surgen estupendos fondos de pantalla, por cierto. Por otra parte, un perfil tan técnico es perfecto para desarrollar la fotografía como profesión, pues una perfección técnica implica una dificultad que no todos los fotógrafos alcanzan.

Un perfil fotográfico habitual es el de la fotografía técnica.
Suelen resultar en fotografías ligeramente vacías, aunque bonitas.

Otro perfil posible es el perfil temático. Es decir, muchos fotógrafos se sienten atraídos por capturar escenas relacionados con un tema concreto. En este perfil entran, por poner un ejemplo, los fotoperiodistas y los padres, así como los bachilleres obsesionados con la macrofotografía. Desde luego es un paso de avance con respecto al primer perfil, dado que la técnica y sus gustos personales van evolucionando por mera acumulación, hasta conseguir resultados brillantes.

Elegir un tema, o desarrollar un interés particular, ayuda
a conseguir a desarrollar no solo la técnica, sino también
a trabajar la fotografía como lenguaje.

Otra función de la cámara de fotos es, sencillamente, capturar momentos. Este es un uso habitual cuando pensamos en fotografías de viaje, por ejemplo, y vamos haciendo fotos a todo lo que ocurre a nuestro alrededor.

Podemos seguir así, planteando perfiles, y viendo evoluciones, porque al final son los matices los que marcan la diferencia entre unos fotógrafos y otros. Y dentro de cada perfil, hay mejores fotografías, y peores. Y viendo toda esta información, cuando llegas a cierto nivel de evolución dentro de una afición, debes plantearte cual es tú perfil y por qué.

Mi perfil dentro de la fotografía es peculiar y no está del todo definido. Es peculiar porque mi interés principal consiste en generar imágenes. Me interesa la técnica y la tecnología, en cuanto entiendo que existen limitaciones en la actualidad, y estoy interesado siempre en ver cómo evoluciona, y ver cómo van apareciendo soluciones a esos problemas (como puede ser la sensibilidad ISO o el ruido, por ejemplo). Me interesa la técnica porque en mi trabajo de vez en cuando tengo que utilizar la fotografía como herramienta, y debo saber diferenciar entre una “buena fotografía” y una “mala fotografía” desde un punto de vista publicitario (con mis limitaciones, por supuesto). También me interesa mucho la función documental de la fotografía, y por eso la utilizo mucho en mis viajes (viajo todo lo que puedo y un poquito más), sobre todo en lo que tiene que ver con arte y arquitectura, pero también con personas, naturaleza, y en general, un poquito de todo.

Esta fotografía fué tomada buscando una composición en la que
el color, las líneas y los contrastes forman una armonía de detalles,
quedando la figuración en un segundo plano gracias a la descontextualización
del motivo, que en este caso es un rascacielos en obras en la City, en Londres

Y por fin tengo un rinconcito, muy personal, en el que suelo trabajar siempre que tengo la oportunidad. Y no, no son las mujeres desnudas. Se trata de un tema un poco dificil de definir, y poco atractivo para la mayoría, o al menos eso supongo. Se trata de composiciones, normalmente abstractas, en las que los pesos visuales, las formas, las líneas, crean esas contradicciones formales que resultan tan interesantes. La abstracción fotográfica a partir de la búsqueda intencionada del “no motivo” y la descontextualización de la forma. Un juego que va desde buscar composiciones homogéneas, al estilo del expresionismo abstracto, a buscar la contradicción en la geometría, o el contraste cromático, o simplemente un choque de texturas. Meditando sobre esto, veo que llevo años trabajando sin darle un sentido concreto a esta idea. Y he trabajado en series de fotografías, como la serie de puertas, en las que de forma intuitiva buscaba este tipo de situaciones.

Ya en mi época de estudiante la fotografía abstracta
llamaba poderosamente mi atención

Se que no es una temática original, pues hay muchos artistas que trabajan sobre ella, pero es una forma muy personal de ver el mundo, y la fotografía es una forma perfecta de reflejarla, creo que todos los diseñadores, y personas que trabajan con imágenes en general, vemos pautas, patrones, situaciones, que nos resultan sugerentes de una forma u otra, y yo he encontrado en la fotografía uan forma de materializar esas ideas y convertirlas en algo sólido, e incluso en algunos casos, utilizable. Una concecpción más abstracta del mundo que nos rodea que, además, nos invita a una mirada más sutil, que a veces nos ayuda a descubrir situaciones o formas que otros no ven.

De vez en cuando está bien reflexionar sobre lo que hacemos y por qué lo hacemos, igual que alguien que está aprendiendo a tocar la guitarra en un momento decide que le gusta más Albéniz que ACDC, o alguien que hace construcciones decide que le gustan más las catedrales que los castillos.

En los próximos días empezaré a subir las fotografías que he hecho este verano cuando he estado en Londres, y veréis como aparecen fotografías de todos los perfiles, si tengo tiempo tal vez elija alguna de las fotografías que más me han gustado desde este punto de vista más personal, e intentaré explicar, como ejercicio, el por qué me han gustado más.

Pero bueno, de momento voy a acabar de prepararlas, espero que esta reflexión os haya resultado interesante, un abrazo, ciao!

Logos como churros

Curioso el blog "Logos como Churros" que me manda Buda, o desconcertante más bien. Se trata de un blog en el que van mostrando logos cutres (he mirado y no hay ninguno que haya hecho yo :D), pero lo he encontrado algo soso, sin ese humor mordaz que caracteriza este tipo de sitios, y con una grave contradicción, ya que un blog que se dedica a criticar logos, y luego tiene la cabecera y el diseño que tiene... en fin... que a lo mejor es muy fácil criticar, pero luego no resulta tan fácil como parece hacer un diseño bien hecho...
De todas formas la idea me parece buena, y con un poco de trabajo podría salir un blog de lo más divertido y sobre todo, útil.

¡Con todo muchas gracias a Buda por el aporte, un abrazo!

El arte de la simplicidad

"Un intelectual es el que explica algo simple de forma difícil y complicada.
Un artista es el que explica algo complicado y difícil de forma simple"

Charles Bukowski
escritor

(visto en Microsiervos)

Vuelta al Cole

Bueno, ya basta de holgazanear, ya toca volver y ponernos a subir cosas de esas guapas y molonas (;D) que solemos poner por estos lares.

A ver si en este nuevo curso seguimos creciendo (ya hemos pasado las 15.000 visitas, que para ser un blog personal no está mal). Probablemente ataque todavía más la fotografía, y empezaré también a subir algo de video, vía Youtube. De momento me estoy limitando a experimentar con la cámara para ver su potencial, pero en poco tiempo supongo que estaré listo para empezar a hacer algo más digno e interesante.

Y por otra parte, espero volver a los temas clásicos, esto es, crítica de arte y de cine, debate, etc. Espero conseguir atraer nuevos visitantes, y de momento no voy mal, aunque seguiré fomentándolo. E igualmente, os animo a todos a participar, ya sea con los comentarios, o mandándome alguna cosa interesante (fausto@faustoart.com).

Hoy voy a empezar con una fotografía, que llevaba tiempo con ganas de hacer. Es un homenaje a una canción Techno que me encanta, y que se llama Le Soleil Noir, en Londres encontré un cielo que era perfecto, así que aquí os dejo el trabajo. Se trata de un primer boceto, pues más adelante es probable que vuelva a trabajar en el proyecto, que me parece muy sugerente. Espero que os guste, y bienvenidos a esta nueva sesión!




Título: Le Soleil Noir
Año: 2009
Soporte: Fotografía Digital

Hello there!!!

Un saludo desde Londres! En un ratito vamos a entrar a la National Gallery, así que aprovecho para mandaros saludos. En unos días, preparaos para ver fotos y videos de la City. Un abrazo para todos, y paciencia, mis queridos lectores!!!

Las 13 Monalisas más... bueno, más algo

Piedras me ha enseñado la web Odee, que yo no conocía. Se trata de una web cuya temática podría definirse con una función matemática, pues elige una temática, o una característica de una temática, y elige un número x de ítems que considera los más adecuados o representativos. Por ejemplo, en este caso, perfecto para el blog, aparecen las "13 parodias e imitaciones de la Mona Lisa más guays". En la imagen, la versión de Botero (¿acaso quedaba alguna duda? :D). Espero que os guste, muchas gracias Piedras!

Noche de Fuegos

Video de la noche de los fuegos en Gijón. La calidad no es ninguna maravilla, pero es lo que tiene no llevar trípode, ya me resultaba pesado cargar con la cámara, así que pasé directamente. Con todo, la posición desde los vimos, en la muyerona, fue un pequeño fracaso, porque se nos colocó una nubona justo delante, con lo que perdimos mogollón de detalle. Y luego sustituí la banda sonora original, en la que Isaac charlaba sobre cómo EEUU perdía terreno frente a China, algo con lo que Piedras coincidía, por esa musiquilla, que si bien no es el típico sonido de palomitas de estos eventos, creo que le queda bien. Espero que os guste. Últimamente solo subo videos eh? Bueno, al fin y al cabo son otra forma de arte...

Skating Eduardo Acosta

Aquí os dejo otro vídeo grabado con la Canon EOS 500d, y editado con el Sony Vegas Movie Studio 9. El skater se llama Eduardo Acosta y es uno de los mejores que tenemos por estos lares. La verdad es que fue todo un lujo encontrarlo y grabarle, además es un tío muy majete. ¡Espero que os guste!

Canon EOS 500d: El vídeo

Estoy aprovechando las vacaciones no solo para relajar la cabeza, que lo necesitaba urgentemente, sino también para actualizar conocimientos, y probar algunas nuevas tecnologías que no había tenido tiempo material para probar en profundidad.

Una de ellas, es el modo de vídeo de mi cámara, la EOS 500d.

Ayer por fin tuve tiempo para coger la cámara y salir exclusivamente a probar el modo de vídeo. Como no tenía muy claro qué grabar, decidí hacer un pequeño video con diferentes tomas, y con la excusa de subirlo al blog, montarlo y ponerlo bonito.

Pinchando en la imagen de arriba podéis ver el vídeo, también lo podéis hacer pulsando aquí. No olvidéis pulsar el botón HD para verlo en alta definición, pero ojo si no tenéis un ordenador muy potente porque os irá a saltos.

El equipo que llevé fue el siguiente. Obviamente, el cuerpo era la Canon EOS 500d, con una batería oficial cargada hasta el tope. No utilizo Grip. La tarjeta de memoria es una Kingston de 8gigas UltraII. El objetivo era el Tamron 18-270 con antivibración. Además de esto, llevé mi trípode SLIK, un trípode pequeño pero muy manejable.

El paseo lo dí por Gijón, y elegí la zona del muelle. El día estaba un poco grisáceo, que es lo habitual por aquí, así que no me compliqué la vida y me puse a trabajar.

El vídeo y la fotografía tienen algunos aspectos en común y otros que no tienen nada que ver. Para empezar es indispensable tener bien configurada la cámara, puesto que el vídeo no se puede capturar en formato RAW. Por esa razón, elegir bien el equilibrio de color, o utilizar un modo personalizado con el contraste o la saturación perfectamente definidos, ayudan mucho con el resultado final. Yo utilicé un modo de grabación personalizado que enfatiza la saturación y el contraste, y cuando pude ver los resultados en casa, me arrepentí un poco de dicha configuración. Utilicé igualmente el modo de luz “nublado”, que da a la imagen un tono ligeramente cálido, de lo que posteriormente también me arrepentí. Especialmente crítico es el valor de la nitidez, en la cual recomiendo que se ponga en baja o muy baja, puesto que en video crea un efecto un poco extraño. El resultado se puede compensar bastante al editar, pero esto es como con la fotografía, mejorar sí, pero no hacer milagros.

El vídeo es diferente a la fotografía, exige pensar

de una forma diferente, y tener en cuenta

sus particularidades técnicas y conceptuales

El siguiente punto a tener en cuenta es el del trípode. Es prácticamente indispensable tener un trípode. Si en fotografía da un poco igual, porque a una mala se sube el iso, o se pone uno más estático, en video es imprescindible. Es la diferencia entre un video casero cutre o un video que se pueda ver. No creo que sea indispensable llevar un trípode tamaño camión, puesto que en video la trepidación se compensa mucho (poco importa que de los 30 fotogramas que tiene un segundo, uno esté un poco desenfocado) pero sí queda realmente mal grabar video y que esté todo moviéndose, da una sensación de mareo. Por eso un trípode ligero de cabeza pivotante ayuda muchísimo, incluso para hacer barridos, por lo menos que haya un punto de apoyo contínuo.

Otro tema interesante es el del objetivo. En el modo de vídeo, al menos de momento, no se puede controlar el número f. Aunque se pueden hacer truquillos, a efectos prácticos significa que la cámara siempre intentará utilizar el número f más bajo posible, por ejemplo 3.5, o 5.6. Esto puede ser un problema para ciertas circunstancias, pero a mí me parece un poco anecdótico. Sí podemos utilizar la compensación de luz, para que todo salga más claro o más oscuro. También podemos jugar con el ISO. Este es un punto curioso. Siempre va a estar en modo automático, hasta que comencemos a grabar, en ese momento se va a quedar con el valor con el que haya empezado. Esto juega a nuestro favor, pues en un momento dado podemos hacer un bloqueo del ISO, enfocando por ejemplo a una zona clara, para que se quede con un ISO 100, y apretando el botón de bloqueo AE. Con valores ISO muy altos (el máximo en video es 1600) puede aparecer bastante ruido cromático que puede resultar molesto, además de perder muchísima nitidez.

Teniendo en cuenta todo esto, debemos elegir bien el objetivo. Yo he probado con excelentes resultados, con un objetivo Canon 2.5 macro. Pero en este caso preferí llevarme el Tamron a ver qué tal. Lo primero que hay que tener en cuenta es ponerle la visera al objetivo, y quitar el modo de enfoque automático y el antivibrador. Esto último es importante, porque si no lo hacemos, a mitad de la grabación, se parará el motor, y se desenfocará de repente. El enfoque automático en el modo de video, a diferencia de cuando usas la cámara en modo reflex, es lento, lentísimo, lo que lo hace poco menos que inutil. Muchísimo mejor el enfoque manual, sin duda. Una vez tenido esto en cuenta, se trata de un objetivo suave y muy versátil. En modo vídeo el resultado es muy bueno, pues su nitidez sobra para este tema, y es lo bastante luminoso como para ofrecer unos resultados notables. El único pero que se le puede poner es que en su focal más larga es muy fácil que se mueva con la más mínima brisa, conmo se puede ver en mi vídeo, pero es algo bastante anecdótico por otra parte. A cambio, en su focal más larga, ofrece un desenfoque delicioso del fondo, perfecto para grabar desde lejos sin que a nadie le moleste.

Con respecto al vídeo que se obtiene, decir que la cámara graba tanto a 720p como a 1080p. También graba a 640x480 a 30 fotogramas, por cierto.

Uno de los aspectos que más dudas levanta esta cámara es el modo 1080p, que graba a 20 fotogramas, y no a 30. Mucha gente se pregunta si esta diferencia es importante. Bueno, he probado a grabar secuencias tanto a 720p como a 1080p, y debo decir que existe diferencia. Es cierto que el modo 720p es más fluido. Sin embargo, y esto me parece muy importante, una vez que editas el vídeo, los fotogramas se interpolan, de forma que esa sensación prácticamente desaparece. Para hacernos una idea, el cine tiene una frecuencia de 24 fotogramas por segundo, e interpolar 4 fotogramas no supone mayor problema. Se compensa el movimiento y se desaparece completamente la sensación de poca fluidez. Dicho de otra forma, si queremos grabar secuencias con mucha acción, o mucho movimiento, entonces es recomendable grabar en 720p. Sin embargo, para escenas más tranquilas, podemos utilizar el modo de 1080p, con lo que conseguiremos muchísima más información y nitidez. Como demostración de lo que digo, diré que en el video que podéis ver, hay varias secuencias en 1080p, intercaladas con las secuencias en 720p, y no se nota la diferencia en absoluto.

El modo de vídeo 1080p solo graba a una cadencia

de 20 fotogramas por segundo. Sin embargo, una vez editado

se interpolan los fotogramas y la sensación de fluidez se iguala

con el modo 720p, con una nitidez mucho mayor.

Aclarado esto, diré que si buscamos vídeos con una nitidez similar a la que se puede ver, por ejemplo en la F1, o en los típicos videos de demostración de los LCDs en los centros comerciales, que se olvide. Normalmente esos videos se graban a 60 o incluso 120 fotogramas por segundo, con ópticas específicas de vídeo, etc.

El resultado que se obtiene con la EOS 500d es bueno, y utilizable. Bajo mi punto de vista es muy cinéfilo, sobre todo por el tipo de ópticas que se pueden utilizar, lo veo ideal para grabar video 720p a 25-30 fotogramas, o a 1080p a 25 fotogramas (repito, una vez editado el video). La veo suficiente como para hacer cortos, videos para internet, videos familiares... Un paso por encima de las típicas video cámaras, vamos.

Un tema por cierto del que no he hablado es el audio. Es suficiente para los típicos videos caseros cutres, pero está a años luz de un video serio. Si queremos audio de calidad, habrá que utilizar una solución totalmente externa, como un grabador con micrófono, o lo que sea. No es que sea un drama, pero es un trasto más y da mucha vagancia llevarlo.

Vale, ya tenemos el video grabado, ahora lo pasamos al ordenador y... y ahora qué?

Bien, lo primero a tener en cuenta es que para ver y para trabajar con video en alta definición hace falta un ordenador realmente potente. Personalmente tengo un AMD de doble núcleo (un 3800+) y de entrada no puede reproducir video a 1080p, y con el de 720p se atraganta. Para este artículo he trabajado con un Intel Core2duo, que podía perfectamente con estos archivos. Vamos, que si no tienes un ordenador potente, o no tienes intención de cambiar de equipo, mejor ni te molestes.

En caso de que tu equipo pueda con ello, veremos qué ocurre.

La cámara graba en formato .MOV (quicktime). Este tipo de videos se pueden o bien subir directamente a Youtube/vimeo, etc, o bien editar con un programa de edición.

Yo he probado a editar los videos de la cámara con dos programas diferentes, el Premiere CS4, que ya conocía anteriormente, y el SonyVegas. El vídeo que estáis viendo ha sido editado con este último. La calidad es buena y es razonablemente sencillo de utilizar. Entre utilizar unos u otros... bueno, depende de cada uno, para gustos colores. Bajo mi punto de vista, el Premiere es un programa más serio y profesional, pero a mí el Sony Vegas me encanta, además de que es baratísimo para lo potente que resulta.

Una vez montado y editado, exportamos el video, en formato M2T, que es el que utiliza por ejemplo el BluRay. Sale un archivo de 700 megas, un poco indigestos para Youtube. Una pasadita por el DivX Encoder (que también es baratísimo, unos 8 euros) y ya lo tenemos preparado, en este caso pesa unos 150 megas, perfectos para Youtube. La verdad es que el tema de cómo exportar los videos es un verdadero dolor de cabeza, pero bueno. Cuando se sube el video a Youtube, el proceso puede tardar varias hoars. Y además, una vez subido, el video aparece solo con resolución estandar. Un rato después, ya aparece en HD.

Yo creo que con esto queda todo más o menos dicho, con esto ya se puede saber qué se puede esperar de la cámara poco más o menos. Sí es cierto que se puede llevar aun más al límite (por ejemplo utilizando ópticas que te permitan manipular la apertura del diafragma manualmente) pero yo creo que, en video, a diferencia de en foto, primero hay que saber bien qué se quiere grabar y qué no. Si vamos a utilizar la cámara como una especie de cámara de fotos potenciada y hacer algo así como “fotografías en movimiento”, entonces lo dicho se puede aplicar a la perfección.

Espero que os sirva de ayuda, la verdad es que me ha llevado bastante curro todo esto, pero si le sirve de ayuda a alguien entonces habrá merecido la pena. Estos días subiré otros clips de vídeo, así que estad atentos. ¡Un abrazo a todos!

¡¡¡Vacaciones!!!

Pues eso, por fin estoy de vacaciones, ¡¡¡y lo estaba deseando!!!

Como siempre, mi época favorita del año para hacer el stop&go definitivo, reflexionar y pararme a meditar un poco.

En cualquier caso, de cara a nuestro querido blog, supongo que el ritmo bajará un pelín, pero no os preocupéis que he venido preparado para seguir dándole de comer como se merece.

En cualquier caso, desde aquí os saludo, y lo dicho, si no nos vemos en unos días, cuidaos mucho!

Actualizando mi equipo fotográfico

Por fin he terminado de actualizar mi equipo de fotografía.

La fotografía es uno de esos mundos híbridos en los que la tecnología para profesionales y la tecnología para aficionados se ven separados solo por una línea difusa (como ocurre por ejemplo entre los deportistas de fin de semana y los deportistas de élite, o entre informáticos “de verdad” y jugadores acérrimos de pc, por poner dos ejemplos), y es terriblemente fácil caer en la tentación de adquirir equipo al que no le podemos sacar partido. No es ya que no queramos, o que no seamos lo suficientemente bueno s fotógrafos, sino que simplemente son equipo profesional, y si no somos profesionales, nunca llegaremos a poner el material al límite, ni de lejos, con lo que pagar las enormes sumas que componen la diferencia, es simplemente un desperdicio de dinero.

Así que elegir el material en fotografía se convierte en un genuino dilema, que implica muchísimos cálculos y cábalas, para tomar las decisiones más atinadas que nos sea posible.

Me parecía interesante para un post exponer los argumentos que he tenido en cuenta a la hora de elegir mi equipo, así como las diferentes opciones que he ido descartando.

Lo primero que se debe hacer es pensar cual es nuestro perfil como fotógrafos a la hora de elegir nuestro equipo, y para eso debemos pensar qué uso concreto le vamos a dar a las fotografías que hagamos.

En esta fotografía tomada en el centro de Madrid,
se ve cómo a una distancia focal larga, se consigue un suave
desenfoque del fondo y un gran detalle en el primer plano.

Mi perfil se compone de dos áreas diferenciadas. Por una parte, está el área profesional, en la que desarrollo mi trabajo de diseñador gráfico “todoterreno” en el que de vez en cuando tenemos que realizar alguna fotografía para algún original de prensa, normalmente en estudio y alguna vez en exterior, siempre trabajos sencillos que, no obstante, requieren de unos mínimos niveles de calidad para salir publicados tanto en on-line como impresos.

Por otro lado, mi perfil personal, en el que me gusta mucho la fotografía como afición. Las fotos que más me gustan suelen ser en viajes, pero también en ciudad. No me interesa demasiado la fotografía de estudio, sino un equipo polivalente que sea capaz de capturar cualquier imagen que se me ocurra captar.

Esta es una fotografía tomada en estudio, con el objetivo 50 macro
de Canon, e iluminación con flash. El nivel de detalle es altísimo.

Además de eso, debo tener en cuenta que este es mi tercer año con una cámara buena pegada, y ni se cuantos años llevo ya pegado a una cámara de fotos en general. El equipo que adquiera, debe como mínimo superar el equipo que ya tengo, si no el cambio lógicamente no me merece la pena.

Encontré ciertas carencias en mi equipo básico, pero para entenderlas, lo mejor es primero explicar qué equipo tenía:

· Cuerpo eso 400d de Canon, una cámara de principiante, pero capaz de obtener buenos resultados. Por lo demás, bastante básica en todo.
· objetivo estandar Canon 17-85 con estabilizador de inagen y enfoque ultrasónico, muy rápido, pero con una calidad de imagen que me dejó un poco indiferente (aunque es muy buena, no es un objetivo de tipo L, que son los mejores) y sobre todo tiene un rango focal muy corto.
. objetivo de focal fija macro Canon 50mm. F2.5, un objetivo perfecto para retratos y fotografía macro, que es realmente espectacular en estudio.
· objetivo Sigma 70-300 apocromático, un teleobjetivo muy potente y perfecto para principiantes, pero que carecía de estabilizador, era poco luminoso, y pecaba de poco nítido en su focal más larga.
· A parte de esto, varios trípodes, y cosas por el estilo.

Esta toma fue hecha desde la calle a una conocida libería del
centro de Madrid. La distorsión geométrica es casi inexistente,
y el grado de detalle altísimo, teniendo en cuenta que la foto
fue tomada a una sensibilidad de 1.600 ISO

Después de convivir un tiempo largo con tu equipo, vas viendo donde sufre más, qué cosas necesitas, y cuales te sobran. Mis principales carencias eran las siguientes:

. La cámara se comportaba bastante mal con poca luz, metía mucho ruido cromático y si bien se podía corregir razonablemente bien con photoshop, el resultado era lento y costoso. Además, en condiciones de luz compleja la medición de la luz fracasaba completamente, al no tener la cámara medición puntual.

· No tenía video, ni nada que se le pareciera.
· Estaba realmente harto de tener que cargar con, como mínimo, dos objetivos, uno de los cuales pesaba cerca de un kilo. Necesitaba reducir el peso del equipo para que fuese más versátil.
· La calidad de las imágenes finales resultaba en la necesidad de retocar a nivel de color, de iluminación, y en general de prácticamente todo. Era sutil, pero necesario.
· No tenía flashes, con lo que estaba muy limitado para muchos tipos de fotografía que necesita una iluminación más elaborada.

Después de mucho esperar, salió la cámara de mis sueños, pero con el pequeño detalle de que salió a un precio que solo se pueden permitir los sueños de otros, con lo que tuve que esperar muy a mi pesar. Se trataba de la EOS 5d mark II de Canon. Sus prestaciones apabullantes tenían dos que me hacían la boca agua. Por un lado, grabación de video en full hd real. Por otra, un valor iso de hasta 25.600, con unos valores intermedios, como el de 6.400, que dejaban a mi 400d en el más absoluto ridículo. Pero claro, los 2.000 euros que costaba, unidos a la necesidad de tener ópticas acorde, a no menos de 1000 euros por objetivo, un buen flash, etc, hacía que la broma se fuese a unos 4.000 euros, un verdadero disparate, con lo que no me quedó más remedio que esperar, hasta que por fin vió la luz una cámara que se ajustaba a mis necesidades reales, y a mi bolsillo.

La canon EOS 500d es una cámara perfecta para mi perfil. Es la heredera natural de la 400d, y son básicamente iguales por fuera. La ubicación de los controles, y su uso, es prácticamente igual. Entre sus características, las dos que yo buscaba. Video (en este caso en HD, no en Full HD, pero bueno, llegará) y una sensibilidad de hasta 12.600 iso, una cifra más que respetable pero bastante inútil dada su baja calidad. Sin embargo, hasta 3.200 llega sobradísima, e incluso a 6.400 es poco más o menos como la 400d a 1.600, que es lo que yo buscaba. A esto le unimos medición puntual, y una serie de características que yo resumiría en un uso mucho más sencillo y una calidad mucho mayor con mucho menos esfuerzo. Foto que tiras, foto que sale bien. Se lleva mejor con los objetivos, se lleva mejor con los flashes... en líneas generales, es la evolución natural de la cámara que yo tenía. Así que allí me fuí a por ella. Otras ventajas son el visor, mucho más luminoso y grande, y la pantalla, super nítida y bastante más grande, lo que la hace mucho más útil a la hora de constatar que la foto que hemos hecho ha salido como esperábamos. También es interesante el “liveview”, muy útil para fotografía de estudio (vamos, que puedes hacer fotos mirando la pantalla en lugar del visor).

Centrándonos en el vídeo, decir que permite una grabación en modo 480p a 30 fotogramas, en 720p a 30 fotogramas, o en 1080p a 20 fotogramas por segundo. Siendo este último casi inútil dado que habría que interpolar la imagen y quedaría un poco mal, el modo ideal es el de 720p. El resultado es bueno, siempre y cuando se grabe con un trípode y un objetivo adecuado. Aquí os pongo un clip de video que grabé en Gran Vía con el Tamron 18-270 en modo manual y sin trípode, pero como curiosidad creo que servirá. En este otro vídeo, podéis ver a u niño tocando en el templo de Debod, también en Madrid. Este vídeo está hecho con trípode, y el objetivo es el 17-85 IS USM.

El principal uso que le encuentro es el de grabar pequeñas secuencias de video, y especialmente le veo una gran utilidad para crear video para internet, dado que la calidad es realmente buena para este medio. De ahí a hacer cortos hay un mundo, pero para crear fotografías en movimiento, sin duda es una buena opción. El mayor problema que le encuentro es el de editar los videos, pues el formato .mov es un poco perrillo, pero bueno, supongo que todo será encontrar el programa adecuado. Por ejemplo no he tenido ningún problema para subir los clips a Youtube, donde incluso los podéis ver en alta definición.

El objetivo Tamron en su focal más angular (18) a la izd, y en su máxima tele (270) a la derecha,
que en su conversión equivalen poco más o menos a un 28-420.
El nivel de detalle es altísimo, y el estabilizador, sobre todo a 270, hace milagros

También había llegado el momento de comprar un flash, para lo que opté por la gama intermedia de Canon. El flash tiene básicamente dos usos, el primero, hacer fotografías en condiciones de luz en las que normalmente no saldrían. En segundo lugar, cumple la función de modelar la luz, y manipularla. Dado que fotografiar es literalmente “dibujar con luz” resulta tremendamente útil poder manipular y trabajar con la luz. Además del flash, compré un cable de un metro y medio que me permite situar el flash en un lugar diferente al de la cámara, con lo que añadido a los rebotes, lo hacen tremendamente versátil, además de fácil de usar, pues al ser de Canon, la cámara le dice al flash todo lo que necesita saber. Eso no quiere decir que no se pueda controlar el flash manualmente, que se puede, con lo que crear iluminaciones sutiles o dramáticas resulta sencillo, ayudando mucho el método de prueba y error.

La última decisión fue tal vez la más difícil. Se trata de un objetivo todoterreno de rango focal amplio, dado que estoy harto de andar cargando siempre con dos o más objetivos, especialmente cuando viajo. Dentro de ese perfil, había objetivos marca Sigma (un 18-250 estabilizado y con enfoque ultrasónico, a unos 640 euros), marca Canon (18-200 estabilizado y ultrasónico por unos 700 euros) o un Tamron, de los cuales había dos opciones, el 18-250 sin estabilizar por unos 400 euros y el 18-270 que además tenía estabilizador, pero no enfoque ultrasónico por 510. Después de mucho mirar, la duda estaba entre el sigma y el tamron, y tras mucho mirar, me fui a la tienda a probarlos. Es cierto que el Sigma enfoca un poco más rápido, pero el Tamron costaba 120 euros menos, y no se justificaba en calidad la diferencia de precio, ni mucho menos. Así que opté por este objetivo, que en su focal más corta es casi igual que el Canon que yo tenía, y en su focal más larca es casi igual que el Sigma Tele que tenía. La calidad del resultado es muy alta, siendo su mayor defecto la falta de nitidez en las esquinas de las fotos, algo comprensible dado el brutal rango focal del que hace gala, y siendo esto algo muy técnico que apenas se nota y que si bien podría ser suficiente para estropear una toma, esto solo ocurrirá en las focales más extremas, en un caso de cada mil. El viñeteo es un poco alto, pero muy fácilmente controlable, y la aberración óptica, aunque existe, no es mayor que en mi 17-85. Sorprendentemente, la distorsión es menos aparente que en el Canon. Un poco lento al enfocar, especialmente con poca luz, y en modo video un tanto inadecuado, aunque para esto ya tenemos el 50 de focal fija.

Otra imagen del Tamron 18-270. El grado de zoom es brutal sin cambiar de lente,
y el nivel de detalle es espectacular teniendo en cuenta su recorrido. Tal vez en estudio no de la talla,
pero como todoterreno es envidiable.

Con esto el equipo se queda completo durante un tiempo, siendo mi única adquisición posible el grip de la cámara, que dado su precio no me interesa demasiado, y un objetivo o convertidor que me dejen modificar la apertura del diafragma en el modo de video, algo que ahora no se puede hacer.

Y ya está, eso es todo. A lo largo del texto habéis podido ver algunas imágenes tomadas con el conjunto, ya me diréis si os gustan! Y si os interesa especialmente algo en concreto, que ya se que es todo un poquillo técnico, me lo comentáis y lo vemos con más calma ¿vale? ¡Un abrazo a todos!

faustoArt Cinema: Asalto al Tren

AVISO: Esta crítica contiene SPOILERS. Está dirigida a personas que hayan visto la película, o a personas que sienten interés por ella y no les importe que el argumento les sea revelado, dado que la intención de la misma es realizar un análisis de sus puntos clave, y sería imposible hacerlo si no se puede aludir directamente a alguna escena o situación concreta)

Asalto al Tren (The Taking of Pelhalm 123) (2009)

"Buenos días ciudadanos, hoy hace un día precioso en la ciudad de Nueva York..."

Hace una semanita me acerqué a los cines Capitol de Gran Vía con mi hermano y Ana a ver la última cinta de Tony Scott, hermano del incombustible Ridley Scott, autor de maravillas como Blade Runner o Gladiator. Como primer comentario, decir que no se cómo será en otros cines, pero en estos, ver una película cuesta la friolera de 7,50 euros por persona, es decir, entre los 3, el precio es similar al de un Blu Ray, o al de dos DVDs de última hornada. Luego dicen que la piratería está acabando con el cine, y seguramente tengan razón, pero señores, hay que ser un poquito coherentes con el mundo en el que viven, no es ya que la gente pueda comprar la peli pirata, ¡¡¡es que una película original te cuesta menos!!! Por otra parte, debo decir que a nivel audiovisual el cine cumplió los estandares que se le presuponen, con una calidad de imagen y sonido maravillosas, especialmente por la sonoridad del impresionante teatro, la verdad es que así da gusto ver películas.

Pero bueno, reflexiones super manidas a parte, vamos a centrarnos en la película en sí.

Tony Scott siempre ha estado a la sombra de su hermano Ridley, y sin embargo ha sido capaz de crear algunas de las mejores cintas de acción de los últimos diez años, entre las que destaca Enemigo Público, con Gene Hackman y Will Smith, un verdadero peliculón, del que luego beberían muchísimas películas, como Bourne, por poner un ejemplo.

Con Pelhalm 123 Tony Scott da una vuelta de tuerca a su propia fórmula, y encuentra un equilibrio entre acción, humor y argumento, consiguiendo un producto equilibrado y que se hace realmente entretenida en toda su extensión, lo que para mí es lo más difícil de conseguir en este tipo de ejercicios.

La trama es razonablemente típica, secuestro a algo (en este caso es un tren, pero por ejemplo en Speed era un autobús) y los malos remalos que se ponen a negociar con el pinín de turno. Con tan poquito, es lógico que el peso recaiga sobre los actores, que recogen el testigo con una calidad asombrosa, recuperando al mejor John Travolta haciendo de malo (suele ser cuando más se luce, como en Swordfish, por ejemplo) y a Denzel Washington haciendo de bueno. Pero sin empalagar, como en los viejos tiempos, el actor ha madurado y después de películas como Training Day ha conseguido un balance mucho más creíble, y enseguida consigue la empatía del espectador.

¿Es suficiente con un cruce de este calibre para hacer una gran película? Pues si, es suficiente, pero Tony Scott es un director ambicioso en su género, y nos propone un tercer gran protagonista, la ciudad de New York. Y gracias a ello, nos encontramos con una fotografía fantástica en la que la ciudad se convierte en uno más, la ciudad y sus habitantes.

Porque los habitantes de Nueva York, sus habitantes del día a día, tienen también un papel protagonista en la película. Ridley Scott es conocido por integrar su visión sobre el mundo y la política en sus películas, como ya hiciera en Black Hawk Derribado, o en el Reino de los Cielos, incluyendo un discurso claramente crítico hacia la política de Bush y de su país. Ahora Tony se une a esta lucha, y con Pelhalm hace una clara crítica a la gestión de los atentados del 11-S, a la vez que homenajea al “Pueblo de Nueva York” otorgándole un rol heroico y participativo, y junto a las fuerzas del orden son las que se enfrentan a la amenaza. Sin embargo, las fuerzas políticas aparecen como unos pusilánimes indecisos más preocupados en sus problemas personales y en su imagen que realmente en solucionar el problema. Realmente no se si esta crítica viene a cuento en el momento político en que nos encontramos, pero francamente pienso que el cine muchas veces peca de aséptico y de no mojarse, y me gusta que me ofrezcan la posibilidad de participar de un debate de esta índole.

Entrando en el plano artístico, Scott como siempre es indiscutible en los campos clave, esto es, fotografía, montaje, dirección artística... Sin embargo utiliza una serie de planos que trabaja a una velocidad de fotogramas muy baja, para crear un efecto visual que probablemente busque fomentar la tensión, pero que a mí me parecieron forzados y artificiales, sin que con ello quiera decir que sean malos, simplemente me parecieron innecesarios. Los efectos especiales son contundentes, y muy realistas. La película es para adultos y no adultera (valga la redundancia fonética) los acontecimientos. Es una película cruda y no se avergüenza de ello. La banda sonora cumple con las expectativas y ayuda a mantener la tensión en todo momento. Mención aparte, tristemente habitual de un tiempo a esta parte por cierto, la merece el doblaje, que sin ser especialmente malo, resulta incomprensible, pues los actores de doblaje están intercambiados, como ocurriera en Star Wars, y se hace extraño ver a actores que siempre tienen una voz, hablando con otra distinta. Además, algunos actores de doblaje son grotescos y dan la sensación de aburrirse soberanamente. No se si son imaginaciones mías, pero parece que en su afán de multiplicar los beneficios, también están recortando duramente las inversiones en doblaje, y los más perjudicados al final somos como siempre los espectadores. Y no olvidemos tampoco la traducción del título, que como en España somos unos zoquetes, un título como Pelhalm 123 no nos resultaría sugerente, así que vamos al ultra obvio "Asalto al tren". Parece que la película podría ser un remake de una película antigua que en España se estrenó con ese nombre, pero no he encontrado referencias claras al respecto, si sabéis algo me contáis.

Y eso es todo. Una película recomendable y divertida, como producto de acción que es. Ahora bien, en su campo, cumple las espectativas y se pone como lo mejor que ha salido en lo que llevamos de año en el campo de la acción, que no es poco decir. Si la véis me contáis, y de mientras, ¡un abrazo muy fuerte!

Espi y sus mariposas

Las mariposas de mi joven padawan.

Es un ejercicio de cuando estudiaba y que tiene como objetivo potenciar la capacidad de síntesis y de comprensión conceptual a través de bajar el nivel de iconicidad de un motivo. En este caso, al igual que cuando yo estudiaba, el motivo que hemos elegido ha sido un animal, para ser concretos un insecto, una mariposa. El alumno debe, a través de sucesivos pasos, ir bajando el nivel de iconicidad, entendiendo como máximo nivel de iconicidad el motivo original con toda su carga de detalle, y el mínimo nivel de iconicidad, aquella imagen sintética que aun sea capaz de conservar suficiente información como para quedar claro que se trata de la misma imagen. Como condicionantes, es obligatorio que la imagen original sea del animal entero, no una parte de él, y el resultado final, también. La imagen resultante debe estar hecha en blanco y negro, para así trabajar la masa, la línea gráfica y la trama.

Normalmente se pueden obtener unos cinco pasos claros: Un primer nivel de síntesis visual básica (es decir, un dibujo bastante detallado del bicho en cuestión), un segundo nivel en el que se empieza a eliminar información innecesaria, como pelos, texturas, uñas, etc. En el tercer nivel, ya se pasa de una ilustración más o menos realista, a un nivel de síntesis moderado. Este tercer nivel a veces se extiende y se convierte en el cuarto y en el quinto, o da lugar a una profunda fase de investigación de la que salen varias líneas gráficas. Y luego el último paso, consiste en convertir esos últimos resultados en una ilustración bien hecha y definitva, con todo perfectamente acabadito.

El ejercicio de Espi fue correcto, con un resultado bastante bueno. Falló la fase de documentación, al no encontrar una imagen que enfatizase los valores más típicos de una mariposa, esto es, además de las alas, la textura interior, etc. Luego avanzó bien, pero la tercera fase fue muy escueta, y el primer resultado que encontró fué el que siguió. Esto resultó muy limitante, y el resultado final peca de heredar las limitaciones encontradas en esta fase. No es un mal resultado final, pero es muy duro y agresivo, en lugar de enfatizar valores más relacionados con delicadeza, etc.

Pero bueno, para ser la primera vez está muy bien. Ahora veremos qué tal resuelve el segundo proyecto, con un animal nuevo. Ya os lo iré contando, un abrazo!

faustoArt Cinema: Push (2009)

AVISO: Esta crítica contiene SPOILERS. Está dirigida a personas que hayan visto la película, o a personas que sienten interés por ella y no les importe que el argumento les sea revelado, dado que la intención de la misma es realizar un análisis de sus puntos clave, y sería imposible hacerlo si no se puede aludir directamente a alguna escena o situación concreta)

Push (2009)

Una nueva generación de héroes

Push es una de esas películas que pasa desapercibida, que de repente un día oyes que está en el cine, y de la que no ves ningún cartel ni oyes ningún comentario, pero que lugo ves, y

dices, anda, pues la cosa está bien.

Pongámonos en situación. Push es una película que utiliza como trasfondo un mundo en el cual existen una serie de personas que tienen poderes psíquicos, tales como telequinesis, videncia, etc. Y nos plantea una especie de lucha entre el bien y el mal, entre agencias clandestinas que intentan controlar a estos seres humanos para crear con ellos armas en potencia, como supuestamente hiciera Hitler en su rama de investigación paranormal, tan famosa en tantos y tantos libros, comics, etc.

Estos poderes psiquicos son muy concretos, y se combinan entre sí en una especie de ajedrez. Así, los videntes ven el futuro, los recolectores ven el pasado, las sombras son capaces de ocultar a alguien a la vista de los recolectores, los sónicos y los quinéticos tienen poderes de ataque, los sanadores son capaces de sanar... El argumento de la cinta nos sitúa en este mundo tan particular, y nos permite entrar en una trama sencilla al principio, pero que se va haciendo más compleja según va avanzando el argumento.

La verdad es que hasta aquí todo suena conocido. Interesante pero conocido, con excelentes ejemplos como Jumper, Wanted y tantas otras, que proponen tramas y situaciones similares. Tal vez no exactas, pero sí semejantes, de eso no hay duda.

Lo que bajo mi punto de vista le da un valor adicional a “Push” es su puesta en escena.

La verdad es que por momentos me recordaba a “28 días después” y en general al cine de Danny Boyle. Aparecen los tópicos del género, es cierto, pero la dirección artística está tan cuidada, que ya elimina la sensación de rancio y la de esto ya lo he visto. La elección de escenarios es soberbia, con un Hong Kong que hace de escenario y en el que se recrean con unas localizaciones que se convierten en un personaje más, con un uso del color exquisito, que ayudan a mantener el ritmo de la acción, pues nos insta a digerir estos impulsos y propuestas visuales a la vez que vamos participando con los personajes de su trama. Un uso pop del color, acorde con la música con propuestas alternativas unidas a un pop actual y llamativo. Los personajes están conseguidos y, sin ser ni mucho menos personajes de Hamlet, consiguen parecer creíbles, cercanos, y en general nos identificamos rápidamente con ellos.

No todo es perfecto en Push. Su carencia de recursos se evidencia pese a su inteligente elección de escenas, en los momentos de acción, que si bien espectaculares y bien resueltos nos dejan con muchísimas ganas de más. Por otra parte, gracias a ello nos dejan recrearnos en la trama, y no se limitan a un festival de efectos especiales, algo que otras películas de mucho mayor presupuesto y ambición no parecen entender, y si no que se lo pregunten a Michael Bay y sus transformers.

En general una película muy buena, muy entretenida y muy bien resuelta, y para mí una de las sorpresas del 2009, tal vez no tanto por su calidad como por su equilibrio y su sensatez. Lo mejor, las localizaciones y la fotografía, de un nivel altísimo, así como la puesta en escena. Lo peor, desgraciadamente la falta de recursos para haber afrontado un proyecto más ambicioso. Con todo muy recomendable, si la veis me contáis, espero que os guste!

Un abrazo a todos, hasta pronto!

faustoArt Cinema: La leyenda de Chun-li (2009)

AVISO: Esta crítica contiene SPOILERS. Está dirigida a personas que hayan visto la película, o a personas que sienten interés por ella y no les importe que el argumento les sea revelado, dado que la intención de la misma es realizar un análisis de sus puntos clave, y sería imposible hacerlo si no se puede aludir directamente a alguna escena o situación concreta)

Street Figher, La Leyenda de Chun-Li (2009)

Falta de respeto

Reconozco un cierto placer sadomaso cuando se me presenta la ocasión de ver una película como esta. Se lo que me espera, se que voy a sufrir, se que no hay ninguna razón para que pierda mi tiempo, más allá de la de poder regodearme en el dolor. Y aun así, lo hago una y otra vez.

Pero es que además sigo siendo como un neno, inocente, y una y otra vez, ante productos como este, pienso que tal vez, solo tal vez, lo hayan hecho bien y la película no sea un horrible bodrio.

Pero no es el caso. La película es un horrible bodrio. Y reconozco que escribir un poco sobre ella es con diferencia lo mejor que se puede obtener de esa inversión de tiempo.

Al lío, que no me quiero enrollar. Esta película es la segunda intentona desde Hollywood de crear una película con base en el universo de Street Fighter. El primer intento fue uno de los mayores azotes de la historia del cine. Protagonizada por Van Damme en el papel de Guile, tenían que ir a por el malvado Byson, caracterizado por Raul Julia. Tan mala era, que poco después este último se murió. Tal vez no por la película... pero tal vez sí, así de mala era.

Bueno, pues esta es aun peor. Ojo, es mejor en algunas cosas y peor en otras, pero en conjunto, es peor.

Pero vayamos por partes. Street Fighter es una saga de videojuegos de lucha, la más famosa e importante de todas. Su versión más importante y famosa, la II, contaba con un plantel de 12 personajes, y una historia sencilla pero eficaz que ligaba a unos personajes con otros.

En la película que nos ocupa, la protagonista es Chun Li. Después de ver como su padre era secuestrado a manos de Byson, empieza una búsqueda para encontrarle, en la cual se ve ayudada por Gen, un proscrito de la organización, y por Charlie, también conocido como Nash, un policía obsesionado por cogerle.

Lo primero que me pregunto es para qué narices toman como trasfondo el videojuego. La historia no tiene absolutamente nada que ver con el videojuego, excepto en el detalle puntual de que el padre de Chun Li fue asesinado por Byson. Lo demás, nada de nada. Byson era un personaje con poderes psíquicos, con aires de dictador que quiere conquistar el mundo. Aquí, ye un paisanín rubio de traje con negocios en Bangkok. En el videojuego, Chun Li es una agente especial, aquí, es ¡¡¡pianista!!!. En el videojuego, Charlie es un agente de las fuerzas especiales, y aquí un vulgar poli. Y Gen en el videojuego es un maestro de artes marciales, y aquí un chino vagabundo... ¡¡¡Balrog no es boxeador y Vega es chino!!! Pero no contentos con esto, de eliminar todo el trasfondo eliminable, modifican totalmente los valores estéticos, que no tienen absolutamente nada que ver con el orignial. Es más, Balrog, el boxeador que en esta peli no es boxeador, es el mismo actor que hiciera del Kingpin negro de Daredevil, una de las mayores ofensas en estas lides que recuerdo en la historia del cine. Se ve que le mola el rollo de insultar a los fans, oye, cada uno tiene sus aficiones.

Vale, si no es una peli basada en un videojuego, sino una peli a la que han puesto el nombre de un videojuego, entonces que es? Pues una peli horrorosamente mala para adolescentes a los que les sobra el tiempo y el dinero. Me explico, las peleas son malas, la dirección horrible, la música no existe, la dirección artística esperpéntica, y los efectos especiales dan tanta vergüenza ajena que podrían haber salido de los episodios descartados de los Power Rangers.

¿Entonces mejor no verla? ¡¡¡Pues claro, pensé que lo había dejado bien clarito!!!

La verdad, bromas aparte, es que si bien puedo comprender el deseo de hacer caja de las empresas con sus licencias, lo que no puedo entender es cómo este tipo de bazofias llegan a ver la luz. Es una vergüenza y deja a las claras que ninguna de las personas involucradas en la película tiene la más remota idea, ni de lo que es el videojuego, ni de cómo se debe hacer una película. Espero sinceramente que los resultados económicos del proyecto sean lo suficientemente paupérrimos como para dejar a todas estas personas las ideas un poco más claras de la realidad objetiva de la calidad de su producto. Por otra parte, desde estas humildes líneas, me atrevo a animar a Capcom a ponerse las pilas y cambiar radicalmente el chip con respecto a la calidad que deben alcanzar los productos basados en sus licencias, algo que claramente saben hacer, ya que existen magníficas versiones anime precisamente de esta licencia, y buenas películas basadas, por ejemplo, en la licencia de Resident Evil, que también les pertenece.

Bueno, lo dicho, espero que no caigáis en el error de ver la película, pero si lo hacéis, no olvidéis contármelo, que por lo menos nos echaremos unas risas. ¡Un abrazo a todos y a todas!

Una contribución a la humanidad

Título: Nenúfares
Año: 2009
Soporte: Fotografía Digital

Aquí tenéis un regalito para empezar el día, es un fondo de escritorio, tamaño 1680x1050. Son flores de loto, la foto está hecha en Córdoba, en Mayo. Para descargarlo, tenéis que pinchar encima de la foto, y cuando se os abra a pantalla completa, hacéis click con el botón derecho, y en el menú emergente, pincháis en "Guardar como". Luego la ponéis como fondo de escritorio y ya está. Si tenéis mac o linux, os buscáis la vida :D y si no os aclaráis me lo decís y os digo cómo hacerlo. Un abrazo!

Cubo 3D

Este es un trabao que hicimos hace un tiempo, y me pareció muy bonito para enseñarlo aquí. Existe una tecnología que, dado un cubo de cristal (no se si es cristal o una especie de polipropileno, o algo así) es capaz de "tallarlo por dentro" de forma que incrusta dentro una especie de objeto tridimensional. No se cómo funciona exactamente, pero supongo que con un laser calibrado a unas frecuencias concretas van quemando un poco el interior de forma que cambia la textura de transparente, a opaco, en puntos determinados por las coordenadas X, Y y Z. De esta forma, les puedes mandar un archivo en formato 3D (por ejemplo 3Ds o CAD) y ellos convierten el archivo en este tipo de resultados.

Además el proyecto tenía un punto interesante, que era el de hacer una interpretación tridimensional a partir de un logotipo bidimensional. La verdad es que el resultado, así como el proceso, me pareció super bonito y super creativo, y el resultado me pareció asombroso. Y eso sin contar con el potencial que tiene la tecnología, y en especial la nueva tecnología de "impresoras 3d", que si bien están muy lejos de convertir un objeto 3d complejo, con texturas, etc, sí que empiezan a ofrecer resultados realmente sorprendentes.

En las imágenes tenéis el original en 3D Studio, y el resultado final en fotografía.

Bueno, pues lo dicho, espero que os guste. ¡Un abrazo a todos y a todas!

Menos es...

"Menos es más"

Mies Van der Rohe


"Menos no es más.
Menos solo es más como solución a un problema.
Si no hay problema, menos es menos."

Fausto


"¿Menos es más?
Menuda chorrada. Si tengo dos manzanas, y me quitas una, no tengo más manzanas. ¡Tengo menos manzanas! Es como decir alto es bajo, o negro es blanco. Suena bien, suena fantásticamente ambiguo, pero no significa una mier..."

Fer